Cada semana llegan a la redacción de Maxazine decenas de álbumes nuevos. Demasiados para escucharlos todos, y mucho menos revisarlos. Garantiza que se dejen atrás demasiados álbumes. Y eso es una pena. Por eso hoy publicamos un resumen de los álbumes que llegan a los editores en breves reseñas.
Bloodstain – I Am Death
Bloodstain es una prometedora banda joven de Suecia. Los miembros de la banda tienen 18/19 años, y en el momento de grabar este mini-álbum de seis canciones, los chicos tenían 17 años. No comparto los superlativos utilizados en la biografía adjunta de la banda. Por ejemplo, el baterista Benjamin Norgren es comparado con Dave Lombardo, y el cantante/guitarrista Linus Lindin con Mark Osegueda de Death Angel. Sin embargo, aún están lejos de ese nivel. No obstante, los chicos tienen un buen control instrumental, y sus composiciones influenciadas por el primer Metallica ya suenan bastante maduras. El tema inicial y título «I Am Death» está basado en la película «El Séptimo Sello» del también director sueco Ingmar Bergman, en la que el protagonista juega una partida de ajedrez con ‘la Muerte’. Para el excelente sonido, Bloodstain contó con la ayuda de algunos nombres conocidos. El productor Simon Johansson de Soilwork, el coproductor y padre del baterista Benjamin Norgren fue Stefan Norgren, quien forma parte de las bandas Sorcerer y Seventh Wonder. El álbum fue mezclado y masterizado por Ronnie Björnström, quien recientemente trabajó con Meshuggah. El estilo musical se puede describir mejor como thrash de la vieja escuela de Bay Area con muchas influencias de NWOBHM, que son particularmente evidentes en el trabajo de guitarra. Muchos solos de guitarra hermosos y buenos (gemelos). Bloodstain aún no tiene contrato discográfico, pero es solo cuestión de tiempo una vez que los ejecutivos discográficos hayan escuchado este excelente debut. ¡Una banda para tener en cuenta! (Ad Keepers) (7/10) (Valfrid Musik)
John Patitucci, Chris Potter & Brian Blade – Spirit Fall
Con «Spirit Fall», tres veteranos retoman el hilo que dejaron en 2000 con «Imprint». El bajista John Patitucci, el saxofonista Chris Potter y el baterista Brian Blade forman un trío que suena como un cálido reencuentro entre viejos amigos. Sus caminos se cruzaron anteriormente con grandes como Wayne Shorter y Chick Corea. Ahora, bajo el liderazgo de Patitucci, presentan diez piezas arraigadas en la tradición del bebop pero que swingan como una jam session contemporánea. Su interpretación de «House Of Jade» de Shorter guiña astutamente a su historia compartida. El formato de trío da espacio a cada músico para brillar. Desde el enérgico «Think Fast» hasta el contenido tema titular «Spirit Fall» – la virtuosidad brota por todas partes. La producción captura perfectamente la vivacidad de su interacción, mientras que la claridad en la mezcla asegura que puedas seguir cada detalle. «Spirit Fall» no es un álbum revolucionario, sino una confirmación de su maestría. Es un álbum que los amantes del jazz pueden apreciar con un siete sobre diez – no es innovador, pero mantiene el interés constantemente. (Jan Vranken) (7/10) (Edition Records)
Horsegirl – Phonetics On And On
Y así te encuentras, en algún lugar entre las polvorientas salas de ensayo de Chicago y los brillantes estudios donde Cate Le Bon maneja los controles, con el segundo álbum de Horsegirl. «Phonetics On And On» es como un viaje por carretera donde no estás completamente seguro de haber tomado el desvío correcto. Donde su debut rebosaba de energía juvenil, el trío opta ahora por un paisaje más árido. La producción de Le Bon desnuda todo hasta el hueso, un movimiento valiente que a veces funciona («2468», «Where’d You Go») pero más a menudo se pierde en la monotonía («Sport Meets Sound», «In Twos»). La composición se queda en bocetos – estribillos simples de «la di la la» y poesía de cuaderno que promete más de lo que entrega. Es como una película indie tan ansiosa por ser arte que olvida contar una historia. Aun así, este disco merece respeto por su ambición. Horsegirl intenta algo aquí que pocas bandas se atreven en su segundo álbum: empezar completamente de nuevo. El resultado es un álbum que tanto fascina como frustra, que experimenta con el silencio pero a veces olvida llenar ese silencio con significado. Un documento valiente pero inacabado de una banda en transición. (Jan Vranken) (6/10) (Matador)
Kelela – In The Blue Light
En las desgastadas paredes del Blue Note, donde una vez John Coltrane hizo cantar su saxofón, Kelela ha escrito un nuevo capítulo. «In The Blue Light» se siente como un viaje nocturno por Manhattan, donde el jazz y el R&B se encuentran en la zona crepuscular. A lo largo de doce temas, Kelela te lleva en un viaje íntimo, donde su voz – como un Cadillac vintage sobre neumáticos de terciopelo – se desliza suavemente por los arreglos. La producción es cristalina, como si estuvieras sentado en primera fila de ese legendario club de jazz, mientras la banda, como una máquina bien engrasada, eleva cada número a nuevas alturas. El punto culminante absoluto es su interpretación de «Furry Sings The Blues» de Joni Mitchell. Donde el original de Mitchell retrataba la melancolía de Memphis, Kelela transforma la canción en una experiencia casi espiritual, su voz cayendo sobre ti como una cálida noche de Nueva Orleans. Sin embargo, este no es el mejor álbum de 2025. A pesar de la ejecución impecable y los momentos mágicos – especialmente en canciones como «Better» y «Bank Head» – a veces se echa de menos esa sensación de transformación total que caracteriza a los más grandes álbumes en vivo. Pero con un sólido 8, Kelela demuestra que pertenece al panteón de artistas que han hecho del Blue Note un terreno sagrado. (Jan Vranken) (8/10) (Blue Note)
Richard Dawson – End Of The Middle
En algún rincón de la escena folk británica, donde los bordes ásperos de la tradición aún son tangibles, Richard Dawson ha estado tallando su propio camino durante años. Como un minero terco que se niega a soltar sus herramientas, incluso cuando la mina ha sido abandonada hace tiempo. Sin embargo, con «End Of The Middle», parece haberse perdido en su propio laberinto artístico. Las nueve pistas de este álbum suenan como grabaciones de campo de una realidad alternativa donde el valor de producción nunca fue inventado. El tema de apertura «Bolt» es una prueba que recuerda a las primeras grabaciones sin pulir de Jandek, pero sin la fascinante alienación que hace que el trabajo de Jandek sea tan intrigante. Los ejercicios vocales de Dawson son como una conversación entre una veleta oxidada y un diapasón desafinado. Donde su trabajo anterior, como el ambicioso «Peasant» de 2017, todavía tenía cierto encanto rústico, aquí parece haberse abandonado cualquier intento de coherencia melódica. La desafinación de su guitarra ya no es una elección artística sino una metáfora de todo el álbum. La estructura textual se tambalea como un castillo de naipes en una tormenta. Donde el folk tradicional vive por la gracia de su precisión métrica, como conocemos de maestros como Martin Carthy, Dawson parece estar improvisando al borde del caos aquí. Es como si hubiera leído el manual de composición pero decidiera aplicarlo al revés. Esto es DIY en su forma más extrema, pero sin la urgencia que podría justificar tales producciones crudas. Donde un artista como Will Oldham usa su estética lo-fi para crear intimidad, Dawson construye aquí involuntariamente muros de inaccesibilidad. Para el oyente curioso, puede haber algo que ganar de esta lucha sónica, como un estudio antropológico de los límites del folk anti-comercial. Para todos los demás, este álbum es como un largo paseo bajo la lluvia sin abrigo – una experiencia que preferirías evitar. (Jan Vranken) (1/10) (Domino Recording)
