Cada semana llegan a la redacción de Maxazine decenas de álbumes nuevos. Demasiados para escucharlos todos, y mucho menos revisarlos. Garantiza que se dejen atrás demasiados álbumes. Y eso es una pena. Por eso hoy publicamos un resumen de los álbumes que llegan a los editores en breves reseñas.
Dimitri Nasser – America in the Key of Black
Nunca antes la amenaza de una guerra total se había sentido tan tangible como en este momento, aunque muchos baby boomers te asegurarán que contenían la respiración cuando los barcos soviéticos se acercaron a Cuba a ochenta kilómetros en 1962, cargados con ojivas nucleares. Sin embargo, el lenguaje amenazante tanto en el este como en el oeste hace que muchos suden de miedo. No hay nada malo en que los músicos defiendan los derechos humanos o incluso la paz mundial. Al contrario. Pero también puede ser demasiado obvio. En «Hum Allah Hum Allah» de repente escuchamos una voz oscura predicando un texto untuoso: la paz es lo que quiere el pueblo. Esto continúa por un tiempo sobre un riff de piano insignificante hasta que Jamal Moore toma el control con una improvisación de saxofón y la pieza realmente se desarrolla. Así comienza «America in the Key of Black» del pianista Dimitri Nasser, quien inicia la pieza titular con un deprimente Stars and Stripes, con la trompeta doliente de Scott Strother – para luego transformar la composición en un cohete de dos etapas hacia un jazz swing uptempo donde Strother puede improvisar a su gusto. El trompetista lo hace con brío, y entonces se escucha que el conjunto de Nasser se siente más cómodo en el swing, por ejemplo en «Modern Day Blues» con un papel protagonista para el baterista Themba Mkhatshwa. No puede evitar que este sea un álbum mediocre, con las mejores intenciones, pero con demasiados clichés. Y esos son mortales en el jazz de improvisación. (Jeroen Mulder) (6/10) (Crescent Piano)
Sunny War – Armageddon in a Summer Dress
En un giro sorprendente de su camino folk blues, Sunny War se adentra en territorios más ásperos y uptempo con «Armageddon in a Summer Dress». Esta colección de once pistas flota entre la energía post-punk y las texturas new wave, con las vocales de War coqueteando con la intensidad del slam poetry. «Bad Times» abre una ventana inesperada: un órgano juguetón que allana el camino para un intermedio groovy y despreocupado en medio de la energía cruda. Este no es un álbum que se pierda en la perfección estética o sentimientos etéreos—es un disco que exige volumen y movimiento. La colaboración con la reina del soul de los Apalaches Valerie June añade una dimensión intrigante a la crudeza urbana de War. «Cry Baby» brilla como potencial éxito radiofónico sin perder su identidad. Esta colección sorprende por su alegría sin pretensiones—una banda sonora para la rebelión cotidiana, para aspirar con agresión punk. El nuevo sonido de War es un cambio extraño pero bienvenido, un apocalipsis veraniego que funciona tanto como disruptivo como liberador. (Jan Vranken) (7/10) (New West Records)
Basia Bulat – Basia’s Palace
En el crepúsculo de su palacio personal, Bulat crea un paisaje sonoro soñador donde sintetizadores y cuerdas se encuentran. Esta colección marca un giro intrigante en su obra; alejándose de las actuaciones folky en vivo que le trajeron fama, hacia un sonido más estratificado inspirado en la electrónica. La cantante canadiense obtiene inspiración de sesiones nocturnas, disco polaco y las composiciones matutinas de Cohen. En «Disco Polo» teje un tributo al legado musical de su padre, mientras que «Baby» transforma la vulnerabilidad en una elegante melodía de baile. La voz de Bulat sigue siendo el ancla – llena de emoción flotando sobre paisajes sonoros MIDI y arreglos sutiles. El álbum se siente como un viaje en el tiempo a través de memorias personales, con canciones que suenan simultáneamente nostálgicas y sorprendentemente modernas. En colaboración con el productor Lawson y el mezclador Martine, Bulat ha creado un diario sónico que conecta diferentes mundos: entre la vigilia y el sueño, entre el pasado y el presente, entre lo experimental y lo accesible. Una transformación atrevida pero exitosa. (Anton Dupont) (7/10) (Secret City Records)
Wrekmeister Harmonies – Flowers in the Spring
En el espectro sonoro experimental, «Flowers in the Spring» se despliega como una meditación oscura. La nueva creación de Robinson y Shaw marca su regreso al drone instrumental, una desviación consciente de sus recientes trabajos estructurados. A lo largo de cuatro composiciones extendidas, los oyentes son llevados a través de paisajes de guitarra distorsionados, corrientes subterráneas de sintetizador y elementos texturales que ondulan como mareas bajo un cielo negro. El título del álbum engaña deliberadamente—aquí florecen pocas flores y apenas reina la primavera. Este viaje sonoro de casi una hora no ofrece una narrativa musical convencional, sino que funciona como terapia aural comparable al ASMR. Las texturas de guitarra en capas crean un espacio atemporal donde las ondas sonoras se apilan como formaciones geológicas. Conceptualmente audaz, este álbum no puntuará alto comercialmente debido a sus experimentos sin compromiso. Sin embargo, logra algo más raro—una experiencia auditiva transformadora que funciona tanto como instalación artística como práctica meditativa, fascinante en su inaccesibilidad. (Jan Vranken) (6/10) (Wrekmeister Harmonies)
Civilistjävel! – Följd
En el espacio gris y enrarecido entre el ambient y el techno, Thomas Bodén encuentra su voz única. Con «Följd» el productor sueco continúa sus exploraciones minimalistas, creando paisajes sonoros sorprendentemente ricos con medios escasos. El disco se abre como una tierra de nadie panorámica: bajos sinusoidales desnudos y tonos melancólicos de melódica que atraen lentamente al oyente al mundo silencioso de Bodén. Lo que sigue son nueve pistas que equilibran entre lo clínico y lo hipnótico. El «XVI» de diez minutos forma el centro radiante del disco. De un beat desnudo y clicleante se despliega gradualmente un acorde majestuoso que transforma un paisaje desierto en una pradera idílica. Bodén sobresale en encontrar belleza en lo pequeño: una simple escala en «XV», un drone solitario en «XVII» que crece hasta convertirse en algo casi trascendente. El disco cierra con las vocales vulnerables de Thomas Bush deslizándose en una cama de acordes reverenciales. «Följd» no es una experiencia auditiva accesible, pero quienes tienen paciencia descubren siempre nuevas capas en estas composiciones aparentemente desnudas. (Jan Vranken) (7/10) (Thomas Boden)
