Cada semana llegan a la redacción de Maxazine decenas de álbumes nuevos. Demasiados para escucharlos todos, y mucho menos revisarlos. Garantiza que se dejen atrás demasiados álbumes. Y eso es una pena. Por eso hoy publicamos un resumen de los álbumes que llegan a los editores en breves reseñas.
Ron Magril – Inspired
El guitarrista israelí Ron Magril no deja lugar a dudas sobre quién es la gran fuente de inspiración para su estilo: Wes Montgomery. En esto, Magril no está solo, Montgomery influyó en innumerables guitarristas de jazz. Escucha «Polka Dots and Moon Beams» de Montgomery y luego «Affirmation» (del álbum «Breezin'») de George Benson. Fíjate especialmente en la articulación de las notas y la forma de golpear las cuerdas. ¿Lo escuchamos también en «Inspired» de Magril? Eso debería ser audible de inmediato en la pista de apertura «Playing for Wes». La respuesta es inequívoca: sí. Con la colaboración de Yonatan Riklis en el Hammond y el baterista Ofri Nehemya, Magril muestra en ocho composiciones que tiene manos de oro capaces de sacar sonidos envidiables de una guitarra, aunque hay que decir que el Hammond le da al sonido total una vibración profunda e irresistible. A pesar de ello, existe una gran diferencia entre Montgomery y Magril, una diferencia que demuestra que solo el talento no hace a un gran guitarrista. Montgomery siempre tocaba al servicio de los músicos a su alrededor, interviniendo solo de vez en cuando para tocar un acorde, justo lo necesario para darle alma a una pieza, un buen ejemplo de esto es «In Your Own Sweet Way». Eso requiere autocontrol, es más, requiere la capacidad de desaparecer completamente. Aquí y allá, el «pielen» en seis cuerdas realmente empieza a resultar molesto, como en el tema de diez minutos «Africa». Después de varios minutos, se nota que hay límites a la inventiva de Magril, ya que los patrones se repiten un poco demasiado. Afortunadamente, hay momentos más tranquilos como «Neri» y «Cool Breeze», donde Magril toca de manera más contenida. Ahí realmente escuchamos que este es un talento, pero uno que aún tiene mucho que aprender. Toma de nuevo esos discos de Wes. (Jeroen Mulder) (6/10) (GleAM Records)
A.J. Croce – Heart of the Eternal
En «Heart of the Eternal», A.J. Croce despliega un paisaje sonoro en el que la pérdida y la esperanza se entrelazan como hilos complementarios en un tapiz musical. Este breve álbum de once pistas, que dura poco más de media hora, es una prueba de que la herencia en la composición a veces es inconfundible, pero también de que la transformación personal a través del trauma puede abrir nuevos horizontes musicales. Producido por Shooter Jennings (heredero de la leyenda del outlaw country Waylon Jennings), esta colección emana una autenticidad conmovedora que está anclada tanto en la tradición como en la expresión contemporánea. «On a Roll» resuena con el espíritu del padre de A.J., Jim, como si una canción perdida hubiera sido repentinamente redescubierta, mientras que al mismo tiempo sigue firmemente enraizada en el característico estilo pianístico de A.J., con los dedos bailando sobre las teclas como gestos hechizantes. «Reunion» es indiscutiblemente el punto culminante, una canción que lleva en su interior el alma húmeda de Nueva Orleans y evoca recuerdos de la electricidad espiritual de los Neville Brothers. Los coros de David Barard añaden capas de textura emocional que recuerdan su trabajo con el legendario Solomon Burke, situando la música de Croce en un rico continuum de la tradición soul estadounidense. Lo que hace extraordinario a «Heart of the Eternal» es cómo el sufrimiento personal (tras la repentina pérdida de su esposa en 2018) se transforma en una conexión universal. La producción de Jennings crea un ambiente donde las texturas vintage del soul se encuentran con la crudeza contemporánea. Esto forma la base perfecta para la voz desgastada pero resistente de Croce, que lleva la sabiduría ganada a pulso de alguien que ha utilizado la música tanto como refugio como redención. (Jan Vranken) (8/10) (BMG)
ARQ – SEMA4
Los músicos reconocerán esto: a menudo se graban actuaciones para escucharlas después y mejorar ciertos aspectos. Estas grabaciones rara vez están pensadas para un público más amplio. La bajista Alison Rayner escuchó las grabaciones de su quinteto hechas en el club The Vortex Jazz Club de Londres y notó la vibra especial que le dio al concierto una carga única: esto debía ser escuchado por todos. Así nació «SEMA4», un álbum en vivo. El nombre SEMA4 proviene de semáforo, un mecanismo que asegura que programas paralelos o distribuidos funcionen de manera sincronizada, tal como los músicos de un quinteto deben estar sincronizados entre sí. Rayner, la guitarrista Deirdre Cartwright, el pianista Steve Lodder, la saxofonista Diane McLoughlin y el baterista Buster Birch llevan doce años tocando juntos y, en su diversidad paralela, forman una unidad sonora impresionante. La líder Rayner da a sus miembros la oportunidad de estar alternadamente en el centro de atención, vivir esos momentos «más finos» personales y luego integrarse sin problemas en el colectivo. Por supuesto, el contrabajo de Rayner está presente en todos los temas, dirigiendo todo perfectamente desde esa base. Las piezas caen en su lugar en el momento justo. El grupo no evita ningún estilo: desde jazz puro hasta folk, blues y latin. En cada pieza, el grupo exhibe su versatilidad y destreza. La apertura «Espiritu Libre», con una encantadora intro de percusión, es una excelente introducción. Luego nos relajamos con «Lookin for a Quiet Place», después nos entregamos de inmediato al swing de «Hamble Horror» y disfrutamos de la fuerte dosis de reggae en «Semaphore». Solo nos queda agradecer a Rayner por decidir publicar estas grabaciones. Siguiendo la pista final, afirmamos con entusiasmo «All Will be Well». (Jeroen Mulder) (8/10) (Blow the Fuse)
Emma Steinbakken – Hurt People
En el paisaje cristalino del pop escandinavo, Emma Steinbakken apareció como una estrella prometedora; su álbum «Home» de 2023 daba fe de una claridad y madurez emocional que contrarrestaban su edad juvenil. La cantante y compositora noruega, que entonces tenía solo 20 años, creó una colección que equilibraba la accesibilidad comercial con una resonancia emocional auténtica, llevando su voz que reflejaba tanto el frío de los inviernos del norte como la calidez de confesiones íntimas. «Home» posicionó a Steinbakken como la sucesora del trono en el dominio del pop escandinavo. Cada tema era un refugio cuidadosamente construido donde su poderosa voz podía habitar una producción que realzaba su arte narrativo en lugar de ocultarlo. Destacaron temas como «Used to Love» y «Gold», que brillaron con un resplandor listo para la radio, mientras mantenían la integridad emocional que le valió una nominación al Spellemannprisen. Dos años después, «Hurt People» no llega como el esperado sucesor completo, sino como un EP con seis canciones que sugiere más una vacilación creativa que una evolución artística. Mientras que «Home» se sintió como un anuncio confiado de su llegada, «Hurt People» deambula por paisajes de eco sobreproducidos que empañan la claridad escandinava característica que hacía tan cautivador su trabajo anterior. El EP sufre por un enfoque de composición por encargo. Las canciones que llevan las huellas dactilares de varios compositores (en algunos casos seis) parecen ser arrastradas en direcciones contradictorias, y la autenticidad de su trabajo anterior se disuelve en estructuras de pop contemporáneo algo formulaicas. La producción ahoga en lugar de elevar, envolviendo confesiones potencialmente íntimas en capas innecesarias. Lo que más sorprende es la falta de la fresca sensibilidad escandinava que inicialmente distinguió a Steinbakken. Esa alquimia especial de claridad melódica y transparencia emocional que se ha convertido en la marca registrada de la región. En lugar de eso, «Hurt People» parece desconectado geográfica y artísticamente, buscando un atractivo universal a costa de una identidad distintiva. Este EP representa más una retirada que una evolución, un paso atrás en un territorio más seguro y genérico. Sin embargo, en esta decepción hay esperanza; los artistas prometedores a menudo atraviesan valles creativos antes de ascender a nuevas alturas. Para Steinbakken, «Hurt People» podría ser menos una declaración definitiva que una necesaria desviación en un largo recorrido artístico que aún está por desplegarse. (Anton Dupont) (5/10) (Ada Nordic)
The Wildhearts – Satanic rites of
Este álbum nos lleva sin piedad a las sombrías esquinas finales de los años 70, donde el glam rock y el metal sucio y sin pulir se abrazaban en clubes ahumados y empapados de cerveza. The Wildhearts, bajo la caótica dirección de Ginger, ofrecen tres cuartos de hora de música que en 2025 suena casi extraterrestre, un fremdkörper entre producciones contemporáneas. La ejecución instrumental es experta, con riffs de guitarra que rozan lo excesivo, mientras que las voces permanecen funcionales. Como reliquia de esa misma prehistoria musical, siento una afinidad inesperada con estos sonidos; una respuesta emocional que al mismo tiempo atesoro y lamento. Esta es música que debe sonar a todo volumen por las ventanas abiertas de un coche; una terapia ruidosa contra la melancolía. El inconfundible espíritu de «Beavis and Butthead» recorre cada nota, un guiño nostálgico a una época en la que la ironía y la sinceridad se combinaban sin esfuerzo. (Jan Vranken) (6/10) (Snakefarm Music Group)
