Las polvorientas vías de ferrocarril del sur de Londres se extienden como venas desgastadas a través del paisaje suburbano. Llevan los mismos sueños de escape que han transportado durante generaciones. Fue a lo largo de estas vías donde dos de las voces artísticas más transformadoras de Bromley encontraron su salida. Hanif Kureishi y David Bowie, chicos de las mismas calles, separados por una década. Y sin embargo unidos por su determinación de transformar los confines de los suburbios en arte.
The Buddha of Suburbia: Las palabras de Kureishi, las notas de Bowie
Bromley es más que un simple escenario en la novela semi-autobiográfica de Kureishi «The Buddha of Suburbia» de 1990. Es un personaje en sí mismo, el lugar que el protagonista Karim Amir tanto ama como quiere escapar. La novela, con su protagonista anglo-pakistaní que navega por el paisaje cultural del Londres de los años 70, rompió fronteras en la literatura británica con su retrato de la vida suburbana.
En un frío día de invierno de 1993, sucedió algo especial. Kureishi había entrevistado a David Bowie durante la gira promocional de «Black Tie White Noise». Al final de su conversación, Kureishi mencionó casualmente que estaba adaptando su novela para la televisión de la BBC. Preguntó si podían usar algunas canciones antiguas de Bowie como «Fill Your Heart». Bowie asintió. Luego, reuniendo valor, Kureishi preguntó si el cantante querría contribuir con material original.
A veces las cosas más hermosas surgen de encuentros fortuitos. Después de ver algunas tomas en bruto, Bowie quedó tan conmovido que decidió hacer mucho más que solo proporcionar música de fondo. Junto con el multi-instrumentista Erdal Kızılçay, se retiró a Mountain Studios en Montreux. Allí, con vistas al lago suizo, completó un álbum entero en solo seis días. Se convirtió en una colección de sonidos que luego describiría como ‘docenas de recuerdos personales de los años setenta’.
El resultado fue una joya oculta en el rico catálogo de Bowie, «The Buddha of Suburbia». Lanzado en noviembre de 1993, a pesar de compartir el título, no era una banda sonora sino un diálogo artístico con la novela de Kureishi. Una meditación sobre crecer en los suburbios, buscar la identidad cultural y el impulso de escapar de los confines de vidas predecibles.
Una conexión espiritual
La canción titular forma un puente perfecto entre estos dos artistas suburbanos. Bowie entreteje recuerdos de su juventud en el sur de Londres con ecos musicales de su propio pasado. Regresa el estilo vocal de octava más baja de su período glam rock, junto con un fragmento de guitarra que recuerda a «Space Oddity» y una misteriosa repetición encantatoria de ‘Zane, zane, zane, ouvre le chien’ que había aparecido anteriormente en «All The Madmen».
Este juego autoconsciente con recuerdos e identidades encaja perfectamente con los temas de la novela de Kureishi. Como ha señalado la académica literaria Claire Allen, los protagonistas de Kureishi se sienten atraídos por figuras como Prince y Bowie precisamente porque estos artistas encarnan lo que ellos buscan: ‘la ideología de la mutabilidad en la creación musical y de identidad’. La carrera de Bowie, en la que ‘casi cada álbum lo ve adoptar una nueva persona’, demuestra la posibilidad de la auto-invención.
La conexión entre los dos artistas va más allá de un simple lugar de nacimiento compartido. La historia de Kureishi sobre un chico que lucha con su herencia mixta y su lugar en el mundo tocó una fibra de reconocimiento en Bowie. El álbum, que el crítico Julian Marszalek describió como ‘una consolidación de los poderes de Bowie como cantante, compositor y productor’, suena como el sonido de un artista que redescubre su voz mirando hacia atrás a sus propios comienzos.
David Bowie: Un viaje sin fin
Aunque el álbum tuvo poco impacto comercial – solo alcanzó el número 87 en las listas británicas – fue reconocido por los críticos como una obra maestra oculta. El propio Bowie lo llamó su álbum favorito en 2003. Los paisajes sonoros experimentales, la mezcla perfecta de pop, jazz, ambient y rock, y la atmósfera nostálgica pero nunca sentimental muestran a David Bowie en uno de sus momentos más personales.
Los dos artistas se hicieron amigos, y años más tarde Kureishi reflexionó sobre lo que los conectaba: ‘Crecimos en una época en la que tenías que tener una identidad fija’, dijo, ‘Y de repente aparece alguien como Bowie con un vestido y tacones altos, y pensabas: «Él me conoce, me entiende, y nos va a sacar de aquí»‘.
La música de «The Buddha of Suburbia» suena como la banda sonora de un viaje que nunca termina – un viaje desde Bromley hasta las estrellas y de regreso. Tanto en las palabras de Kureishi como en las notas de Bowie, encontramos un manual para navegar entre mundos, culturas e identidades. Su trabajo ofrece un plano para cualquiera que se haya sentido atrapado en los suburbios de la existencia, buscando una salida o una entrada.
Este capítulo inesperado en la carrera de Bowie – creando a partir de la literatura en lugar de su propia persona – muestra por qué siempre fue más que solo una estrella del pop. La forma en que traduce la historia de Kureishi en un tapiz de sonidos y atmósferas subraya su sensibilidad literaria y su capacidad para absorber y transformar fuentes de diferentes formas artísticas.
Y así comienza nuestra historia de Bowie en imágenes – no con el glamour del estrellato o el brillo de los estrenos cinematográficos, sino con una colaboración inesperada que surgió de un encuentro casual entre dos chicos suburbanos que se escabulleron por la vía del ferrocarril hacia un mundo más grande.
Space Oddity y los primeros años (1969-1972)
El viaje musical de David Bowie comenzó mucho antes de que se hiciera internacionalmente famoso. Su gran avance llegó con «Space Oddity» en 1969, una canción que coincidió perfectamente con el alunizaje del Apollo 11. La canción alcanzó el top cinco en el Reino Unido y marcó el comienzo de la fascinación de Bowie por los temas espaciales, el aislamiento y la alienación – temas que lo seguirían a lo largo de toda su carrera.
Aunque Bowie no apareció en muchas películas en ese momento, su música ya era de naturaleza cinematográfica. La estructura narrativa de «Space Oddity» y canciones posteriores como «Life on Mars?» crearon mini-escenas de película dentro de la música misma. Estas primeras canciones serían utilizadas con frecuencia más tarde en películas y televisión para subrayar momentos de alienación, melancolía y anhelo.
Ziggy Stardust: El nacimiento de un icono del rock alienígena (1972-1973)
La creación de Ziggy Stardust en 1972 marcó un paso revolucionario en la carrera de Bowie. Este alter ego andrógino y alienígena fue una construcción deliberada. Se inspiró en diversas fuentes como el cantante británico Vince Taylor, el músico texano Legendary Stardust Cowboy, el teatro kabuki japonés y artistas como Iggy Pop y Lou Reed.
Con Ziggy Stardust, Bowie definió el arquetipo de la estrella de rock mesiánica. Una figura que viene a la Tierra como una especie de ser alienígena antes de un apocalipsis inminente para traer un mensaje de esperanza. El concepto incluía el ascenso de la estrella, su éxito y, finalmente, su caída a través de su propio ego y excesos.
Las cualidades cinematográficas del personaje de Ziggy Stardust eran inconfundibles. La actuación de Bowie en el Top of the Pops de la BBC en julio de 1972, en la que interpretó «Starman», es considerada un momento cultural definitorio comparable con la aparición de The Beatles en The Ed Sullivan Show en 1964.
Esta era culminó con el concierto en el Hammersmith Odeon el 3 de julio de 1973. Allí llegó el impactante anuncio de que este «sería el último espectáculo que jamás haría». Este momento fue capturado en el documental de D.A. Pennebaker «Ziggy Stardust and the Spiders from Mars». Una película que permaneció en posproducción durante años antes de ser estrenada en 1983.
La trilogía de Berlín: Sonidos experimentales en una ciudad dividida (1976-1979)
Después de su período como Ziggy Stardust y una breve fase como el Thin White Duke, Bowie se mudó a Berlín en 1976. Según él, para escapar de su adicción a las drogas en Los Ángeles y para encontrar una nueva dirección artística. Describió Berlín como una ‘especie de santuario’. Bowie dijo: ‘Berlín tiene la extraña capacidad de hacerte escribir solo las cosas importantes’.
Los tres álbumes subsiguientes – «Low» (1977), «Heroes» (1977) y «Lodger» (1979) – se conocen colectivamente como la ‘Trilogía de Berlín’. Estos álbumes, creados en colaboración con el productor Tony Visconti y Brian Eno, representaron un cambio radical de rumbo musical. Se movió hacia sonidos experimentales, ambient y electrónicos, inspirados en bandas alemanas de krautrock como Kraftwerk, Neu! y Can.
Aunque los tres álbumes no fueron grabados enteramente en Berlín, capturan el espíritu de la ciudad dividida y la transformación personal de Bowie. «Low» fue grabado en gran parte en Francia, «Lodger» en Suiza y Nueva York. «Heroes» en particular se ha convertido en emblemático de este período. La canción titular fue inspirada por la vista de Bowie del Muro de Berlín desde los estudios Hansa.
La música de este período ha dejado una impresión indeleble en los cineastas. Las piezas atmosféricas, a menudo instrumentales, de «Low» y «Heroes» han encontrado su camino en innumerables películas, incluyendo «Christiane F.» (1981). La sombría película alemana sobre la adicción a las drogas en la que David Bowie mismo apareció y para la cual contribuyó con música. La canción «Heroes» en particular se ha convertido en una favorita para los cineastas. Ha sido utilizada en películas como «The Perks of Being a Wallflower», «Moulin Rouge» y en la serie de televisión «Glee». A menudo para subrayar momentos de trascendencia y avance.
Éxito mainstream y roles cinematográficos (1980-1986)
Los años 80 marcaron un período de mayor reconocimiento comercial para Bowie. Con éxitos como «Ashes to Ashes» (1980), «Under Pressure» (Queen, 1981) y «Let’s Dance» (1983), las cosas fueron muy bien. Este último, producido por Nile Rodgers, ¡fue un éxito! Su primer sencillo en alcanzar la posición número uno tanto en el Reino Unido como en los Estados Unidos.
Este período coincidió con los años más activos de Bowie como actor. Apareció en «Merry Christmas, Mr. Lawrence» (1983) como el Mayor Jack Celliers. Pero también protagonizó la película de culto «The Hunger» (1983). También asumió el icónico papel de Jareth el Rey de los Goblins en «Labyrinth» (1986) de Jim Henson.
Su dualidad como músico y actor alcanzó un pico durante este período, con sus personajes cinematográficos reflejando sus personajes musicales. Para «Labyrinth», contribuyó no solo como actor sino también como músico, con cinco canciones que escribió para la película.
«Let’s Dance» ha encontrado desde entonces su camino en muchas escenas cinematográficas, incluyendo un momento memorable en «Top Gun: Maverick» (2022). Allí se utilizó para subrayar la reunión de los personajes de Tom Cruise y Jennifer Connelly.
Últimos años y legado (1987-2016)
A lo largo de los años 90 y 2000, David Bowie continuó experimentando con varios estilos musicales, incluyendo industrial y jungle. También continuó actuando, con papeles como Andy Warhol en «Basquiat» (1996) y Nikola Tesla en «The Prestige» (2006) de Christopher Nolan.
Su álbum final, «Blackstar» fue lanzado en su 69º cumpleaños en 2016, dos días antes de su muerte. Fue acompañado por dos videos musicales altamente cinematográficos para las canciones «Blackstar» y «Lazarus». Estos videos, con sus narrativas oscuras y fílmicas, demostraron que la capacidad de Bowie para fusionar música y arte visual permaneció intacta hasta el final de su vida.
En los años posteriores a la muerte de Bowie, su música ha continuado resonando en películas y televisión. Canciones como «Modern Love» en «Frances Ha», «Cat People (Putting Out Fire)» en «Inglourious Basterds», y «Under Pressure» en «Aftersun». Demuestran que los cineastas continúan recurriendo al rico catálogo de Bowie para añadir profundidad temática a su trabajo.
El legado cinematográfico de un visionario musical
La influencia de David Bowie en la música y el cine es inmensurable. Así como el cine moldeó a Bowie, David Bowie moldeó el cine. Cineastas como Pedro Almodóvar, Wes Anderson, Todd Haynes y Baz Luhrmann han tomado prestados elementos de la música cinematográfica de Bowie. Pero también de su glamour alienígena y su intrépido espíritu creativo.
David Lynch utilizó «I’m Deranged» de Bowie del álbum «Outside» (1995) para las escenas de apertura y cierre de «Lost Highway» (1997). Integrando así la música de Bowie en el tejido de su enigmático neo-noir.
La capacidad de Bowie para reinventarse, tanto musical como visualmente, lo convirtió en un pionero en el uso de la persona y la performance en la música pop. Como él mismo dijo: ‘Lo que hice con mi Ziggy Stardust fue empaquetar un cantante de rock ‘n’ roll completamente creíble y plástico, mucho mejor de lo que los Monkees podrían fabricar jamás’.
Al considerar su música como puntos de referencia en películas y sus propios papeles cinematográficos como reflejos de su evolución musical, obtenemos una comprensión más rica del viaje artístico de David Bowie. Desde el astronauta Mayor Tom hasta el alienígena Ziggy Stardust. Pero también desde el viajero alienado en Berlín hasta el Rey de los Goblins. Las transformaciones de Bowie forman una odisea cinematográfica que no tiene igual en la historia de la música pop.
