Cada semana llegan a la redacción de Maxazine decenas de álbumes nuevos. Demasiados para escucharlos todos, y mucho menos revisarlos. Garantiza que se dejen atrás demasiados álbumes. Y eso es una pena. Por eso hoy publicamos un resumen de los álbumes que llegan a los editores en breves reseñas.
Chrissy Johnson – Shake Where You’re Steady
En su segundo álbum «Shake Where You’re Steady», Chrissy Johnson logra crear una mezcla atmosférica de folk y pop, con toques ocasionales de jazz. Su voz clara forma el corazón palpitante de una serie de canciones delicadas que se sienten tanto accesibles como personales. El álbum comienza con cautela con «Greatest Abandon», pero pronto los arreglos florecen en el juguetón «Anything», donde los metales y el trabajo rítmico complementan bellamente su suave voz. La producción es discreta y elegante, lo que permite que las letras de Johnson tengan el espacio para realmente conectar. En canciones como «Runaway Love» y «Only Now», toca la pura vulnerabilidad sin volverse patética. Son estos momentos de quietud los que dan al álbum su fuerza. En contraste, hay narrativas más potentes como «Strange Fire» y el blues «Backwater Blues», que muestran su talento como narradora. La pista final «Pretty Little Heart» devuelve todo a lo esencial: una voz, una canción, un sentimiento. «Shake Where You’re Steady» no es un álbum ruidoso, sino uno que silenciosamente se cuela bajo tu piel. Chrissy Johnson entrega una obra madura y con capas que sigue siendo cautivadora, especialmente para aquellos que se toman el tiempo para realmente escuchar. (Norman van den Wildenberg) (7/10) (Producción propia)
Béla Fleck, Edmar Castañeda, Antonio Sánchez – BEATrio
B(éla), E(dmar) y A(ntonio) forman un T(río). Un trío notable en el que el arpa de Castañeda y el banjo de Fleck son los instrumentos principales, impulsados por el baterista y ‘líder del proyecto’ Sánchez. ¿Un banjo? Entonces esto debe ser bluegrass. Sí y no. Sí, ciertamente hay influencias de bluegrass – por ejemplo en «Countryside» – pero la música que el trío ha inmortalizado en este disco explora más dimensiones en el jazz. El juego de Castañeda es decisivo: el arpista usa su mano izquierda para los tonos graves, mientras que la derecha armoniza con la melodía que Fleck toca en el banjo de cinco cuerdas. El resultado es un sonido completamente único. En una pista como «Kaleidoscopes» puedes escuchar cómo el arpa y el banjo se siguen y se fortalecen mutuamente: a veces al unísono, hasta que giran más en un diálogo. Escucha especialmente la precisión casi quirúrgica con la que los músicos se perciben entre sí sin fallos: en vivo esto debe ser una sensación. La forma en que Castañeda sigue al ágil Fleck en el banjo es admirable. Por cierto, el papel de Sánchez no debe subestimarse: en «Three Is Not A Crowd» tiene la oportunidad de brillar. Pero este álbum no es simplemente una exhibición de habilidades técnicas. Por el contrario, el trío logra entregar un álbum muy variado. El melodioso «Cloak And Dagger» y «Whispers Of Resilience» con un ritmo delicioso son verdaderas joyas. (Jeroen Mulder) (9/10) (Thirty Tigers)
Gotthard – Stereo Crush
Esta banda suiza toma su nombre de una cordillera de su tierra natal, aunque la mayoría de la gente pensará en el famoso túnel. Los rockeros duros mencionarán a la banda, que disfrutó de bastante éxito a principios de los 90, cuando se les pregunta: ¿en qué piensas cuando escuchas Gotthard? Hace un tiempo, el vocalista Steve Lee murió en un accidente de tráfico, pero la banda sigue lanzando discos y ha encontrado un buen reemplazo en Nic Maeder. Su voz tiene un parecido considerable con la de Lee. Sin embargo, hay que decir que este nuevo «Stereo Crush» es el disco menos impresionante con Maeder en la voz. Eso no tiene nada que ver con su contribución, pero las canciones simplemente no son tan fuertes como estamos acostumbrados de Gotthard. El álbum también es mucho más suave, con algunas excepciones. Quizás la banda esté tratando de ganar nuevos fans. Además, a la banda le gusta hacer una versión, que ahora es «Drive My Car» de The Beatles. Anteriormente, hicieron «Come Together» de manera mucho más convincente. Suena bien, pero para los fans de toda la vida no será un álbum al que volverán a menudo. (Rik Moors) (6/10) (Reigning Phoenix Music)
Moonlight Haze – Beyond
«Beyond» es el cuarto álbum de estudio de Moonlight Haze. Esta banda italiana hace metal sinfónico y melódico. El ritmo pegadizo, la «estructura verso-estribillo» y las letras relativamente simples hacen que las pistas sean accesibles. Las voces de fondo a veces son un poco predecibles, pero la combinación de voces está bien. Todas las canciones están en inglés, solo «L’Eco Del Silenzio» contiene una mezcla de inglés e italiano. La emoción en el canto italiano es más claramente audible, y la música parece más intensa. La variación en las voces es mayor en «Time To Go». No solo escuchas voces entrenadas clásicamente y de pop-rock, sino también algunos gruñidos. Instrumentalmente, los contrastes también son mayores aquí. Estos contrastes podrían haber sido más grandes en más canciones. La distribución entre pop/rock versus voces entrenadas clásicamente (por Chiara Tricarico) se alinea con la música accesible. El metal no es demasiado pesado, los elementos clásicos ligeros no vienen realmente al primer plano. Esto hace que «Beyond» sea adecuado para un público amplio. Interpretado en vivo, seguramente habrá interacción con los fans. (Esther Kessel-Tamerus) (7/10) (Scarlet Records)
Hangover Paradise – Lost In Reality
Bert Heerink. Sea cual sea tu opinión sobre el hombre, su currículum es impresionante con Vandenberg, Kayak, Jan Akkerman y The Pink Floyd Project. De eso se trata. La formación prog de Drenthe, Hangover Paradise, lo ha acogido ahora como cantante principal en su tercer álbum de estudio, «Lost In Reality». Heerink es así también el tercer cantante, mientras que la formación es por lo demás constante en su alineación. Los dos teclistas Henk y Peter Zwerus – este último también el letrista – dejan una firma firme en el sonido de Hangover Paradise, pero al mismo tiempo estamos haciendo una injusticia al rico trabajo de guitarra de Ritchie Saimima: esa guitarra está presente de manera prominente y no solo en los solos. La pista de apertura «Never Again» es inmediatamente una entrada fuerte, que recuerda a las piezas más robustas de IQ. Y hay más paralelos con los neo-proggers británicos alrededor de Mike Holmes: al igual que IQ – ‘cuarenta años de tonterías prog’ – a Hangover Paradise le gusta burlarse del género y sus clichés de Canterbury. En «The Story Of Prog» se nos presenta una historia sobre búsquedas, demonios, dragones y caballeros, naturalmente en una pista que está construida de varias partes, con un buen riff de guitarra en la introducción, el ritmo de rock impulsor bajo los primeros versos y el coro, pero que después de un break de clavicémbalo (!) transiciona a un tempo diferente para terminar en un final épico, incluyendo un lecho de coro tipo mellotron bajo los solos finales de sintetizador y guitarra. Del libro de cocina que también contiene las recetas para el trabajo temprano de Marillion y Rush; son influencias claras. Con «Lost In Reality», Hangover Paradise entrega un álbum excelente que los amantes del neoprog más old-school – piénsalo por un momento – disfrutarán enormemente. (Jeroen Mulder) (8/10) (Hangover Paradise)
