Cada semana llegan a la redacción de Maxazine decenas de álbumes nuevos. Demasiados para escucharlos todos, y mucho menos revisarlos. Garantiza que se dejen atrás demasiados álbumes. Y eso es una pena. Por eso hoy publicamos un resumen de los álbumes que llegan a los editores en breves reseñas.
Orlando Molina – Autorretrato en tres colores
Un autorretrato en tres colores: este es el debut del guitarrista Orlando Molina, nacido en Venezuela pero que actualmente vive y trabaja en Irlanda. Hasta ahora, Orlando principalmente acumuló horas de vuelo como músico de sesión, pero aparentemente había llegado el momento de salir él mismo al primer plano. Sin embargo, en este álbum tarda un poco antes de que escuchemos una guitarra. La apertura «Via 26» es realmente para el piano de Scott Flanigan. Solo en la sección final Molina da un paso adelante y escuchamos el sonido completo de las seis cuerdas clásicas en una guitarra de concierto. Gradualmente entendemos que el énfasis en este álbum recae mucho más en el compositor que Molina también es, además de ser un guitarrista y director de banda excelente y particularmente versátil. Molina mezcla latin con jazz, pero de una manera completamente única y dotada de arreglos especiales. En «De lo Vivido a lo Vivo» escuchamos un dueto entre la guitarra clásica y un violonchelo. En «Pacienca» Molina deja que su interpretación se entrelace bellamente con la voz de la cantante mexicana Alicia García. Además de una guitarra acústica, también escuchamos de vez en cuando notas amplificadas eléctricamente, como en «Un Vida, Many Lives» donde incluso detectamos un atisbo de Mike Oldfield. En conjunto un disco muy variado y por lo tanto un debut excelente. (Jeroen Mulder) (8/10) (Anda)
Sheila E. & Friends – Bailar Instrumentals
Sheila E. demuestra una vez más por qué es la Reina indiscutible de la Percusión. En «Bailar Instrumentals» deja que sus timbales y percusión manual brillen en un ambiente cálido de jazz latino que recuerda las tardes de verano en La Habana. Los fuegos artificiales percusivos que estamos acostumbrados de Sheila están bien incrustados aquí en una producción profesional. Todo suena pulcro y bien pensado, sin perder la espontaneidad que hace que su interpretación sea tan especial. La influencia de su padrino Tito Puente resuena a través de cada pista, mientras que su propio sello permanece claramente audible. Las pistas instrumentales respiran las ricas tradiciones del jazz latino, con grooves que automáticamente hacen mover tus pies. El álbum se siente como un viaje musical a través de diferentes ritmos latinos, con las historias rítmicas de Sheila formando el hilo conductor. «Bailar Instrumentals» es la banda sonora perfecta para una fiesta en el jardín este verano. Tiene esa energía relajada que une a las personas, sin volverse insistente. Un álbum agradable que muestra por qué Sheila E. sigue siendo relevante en el panorama musical moderno. (Jan Vranken) (7/10) (Stilleto Flats)
Scylla & Furax Barbarossa – Portes Du Desert
En la liminalidad entre la melancolía bruselense y el misticismo magrebí, surge algo excepcional. «Portes Du Desert» trasciende los límites de lo que puede ser el rap belga—diecisiete composiciones que funcionan como cartografía espiritual del anhelo y la redención. La pista de apertura anuncia inmediatamente: aquí ya no navegamos en territorios convencionales del rap. Las melodías flotan como espejismos, una invitación al peregrinaje interior. La pista titular da voz a la sed existencial de Scylla, mientras que la intensidad complementaria de Furax Barbarossa fortalece la música. Lo que verdaderamente distingue este álbum es cómo el ADN artístico de Bélgica resuena a través de cada ritmo. En «Gardiens, Pt.1» reconocemos la influencia colectiva de Jacques Brel—no como imitación, sino como transmisión genética de autenticidad emocional. El espíritu de Arno Hintjens deambula por estas composiciones, en la disposición a ser vulnerable, el coraje de colocar la autenticidad por encima de la perfección. La espiritualidad norteafricana que impregna el álbum surgió durante diez días y noches de proceso creativo en Marruecos, una ósmosis cultural auténtica donde el desierto funciona como metáfora del desierto interior. Después de quince años de colaboraciones esporádicas, ambos artistas finalmente han encontrado la alquimia que multiplica exponencialmente sus poderes. Este es el mejor álbum de rap belga hasta la fecha. Punto final. (Elodie Renard) (9/10) (Ciel Mauve/Demain)
Mogwai – The Bombing of Pan Am 103 Soundtrack
En algún lugar entre la verdad documental y la imaginación musical, Mogwai ha creado una banda sonora que se siente como un viaje silencioso a través de historias oscuras. Este no es post-rock explosivo como estamos acostumbrados de la banda escocesa, sino más bien una ruta susurrante a través de la tensión y la contemplación profunda. Donde sus álbumes regulares a menudo se construyen hacia una gran liberación a través del volumen y la fuerza, «The Bombing of Pan Am 103» muestra una banda que ha descubierto el poder del silencio. La apertura con sus sintetizadores zumbantes y acordes punteados crea una atmósfera de calma oscura—como si estuvieras caminando por pasillos vacíos de aeropuerto donde los ecos de historias aún perduran. Pistas como «Luqa Airport» y «Back home to Giffnock» funcionan como paisajes emocionales: melancólicos sin ser depresivos, tensos sin exigir demasiado de ti. Son composiciones que dan espacio para tus propios pensamientos, perfectas para esas sesiones de escucha solitarias donde la música se convierte en tu banda sonora personal. Aunque originalmente pensado como música para televisión, esta obra se eleva por encima de su propósito televisivo. Con auriculares puestos, se convierte en un viaje íntimo a través de sonidos sutiles y paisajes sonoros atmosféricos que muestran qué tan bien Mogwai puede transformar la emoción en atmósfera pura. Una hermosa desviación de su camino habitual, prueba de que los grandes artistas pueden empujar sus propios límites. (Anton Dupont) (7/10) (Rock action records)
Shamir – Ten
En el silencio entre la intensidad y la melancolía, «Ten» de Shamir se despliega como una despedida meditativa. Este décimo álbum, anunciado como su último y la conclusión de su autoproclamada ‘anti-carrera’, forma una cartografía íntima de un artista que ha caminado su propio sendero, desde la euforia bailable de «Ratchet» hasta la confesión cruda de «Hope», y ahora esta síntesis contemplativa. Las diez pistas respiran dentro del idioma del rock indie cantautor, donde la producción deliberadamente lo-fi funciona como un velo transparente. Esta elección de autenticidad sobre pulimiento funciona maravillosamente: cada toque de guitarra y fraseo vocal se siente genuinamente sin cortes. «Golden» brilla como el punto culminante del álbum; una canción que sin esfuerzo encontraría su camino hacia esa estación de radio holandesa que se llama a sí misma alternativa. El acorde final «29» pide una experiencia de escucha íntima; casi quieres meterte en el estéreo para seguir la voz de falsete de Shamir. Su fraseo evoca fragmentos de Loren Kramar, o tal vez no, sigue siendo una adivinanza en esta hermosa ambigüedad. «Ten» requiere paciencia, múltiples sesiones de escucha para desbloquearse completamente. Música real, ganancia pura. (Jan Vranken) (8/10) (Kill Rock Stars)
