Cada semana llegan a la redacción de Maxazine decenas de álbumes nuevos. Demasiados para escucharlos todos, y mucho menos revisarlos. Garantiza que se dejen atrás demasiados álbumes. Y eso es una pena. Por eso hoy publicamos un resumen de los álbumes que llegan a los editores en breves reseñas.
Big Thief – Double Infinity
Con su sexto álbum de estudio, Adrianne Lenker y su Big Thief, ahora reducido a trío, dan un salto inesperado pero competente hacia aguas más pulidas. Tras la partida del bajista Max Oleartchik, los miembros restantes eligieron un enfoque radicalmente diferente: tres semanas de jam intensivo en The Power Station de Nueva York, rodeados de una comunidad de músicos invitados incluyendo al legendario artista ambient Laraaji. El resultado es un álbum que forma simultáneamente su trabajo más accesible y más experimental. La apertura «Incomprehensible» revela inmediatamente lo que ha cambiado – donde antes la intimidad cruda era suprema, Big Thief ahora opta por paisajes sonoros brillantes y atmosféricos que bañan la voz de Lenker en un resplandor casi celestial. Es una elección deliberada que no convencerá a todos, pero que enfatiza el peso emocional de sus canciones de una nueva manera. «No Fear» demuestra mejor la fuerza de este enfoque: siete minutos de repetición meditativa en la que la línea de bajo de Joshua Crumbly crea un groove hipnótico mientras Lenker canta como un mantra sobre dejar ir el miedo. La pista exige paciencia del oyente, pero la recompensa con una experiencia trascendente que es rara en la música contemporánea. El núcleo emocional del álbum reside en «Grandmother», donde las contribuciones etéreas de Laraaji elevan la pista a otra dimensión. La promesa de Lenker de «convertir todo en rock and roll» suena aquí como un grito de liberación, una forma de lidiar con la pérdida transformándola en música. Aunque la producción a veces eclipsa la energía espontánea de su trabajo anterior, la composición de Lenker permanece de una vulnerabilidad y belleza sin precedentes. «Happy With You» es pura alegría en forma musical, mientras «How Could I Have Known» cierra el álbum con una sensación de esperanza a pesar de todos los cambios. (Anton Dupont) (8/10) (4AD)
Sopico – Volez-Moi
Cuatro años después de «Nuages», el rapero-cantante-guitarrista parisino Sopico regresa con un álbum que confirma su posición única en el panorama musical francés. «Volez-Moi» es una exploración de 16 pistas de sus límites artísticos, en la que desarrolla aún más su mezcla característica de rap, blues y rock con elementos electrónicos. La apertura del álbum «Une clope après l’amour» establece inmediatamente el tono con el pianista Sofiane Pamart, cuyo acompañamiento sensible contrasta perfectamente con el flow medido de Sopico. Es representativo de un álbum que se niega a ser atrapado en convenciones de género pero sigue su propio camino entre intimidad y grandeza. La producción, en gran parte en manos de sus colaboradores habituales, muestra a un artista más maduro que navega cómodamente entre diferentes estilos. «Slide» combina elementos trap con trabajo de guitarra blues, mientras «Grand cercle» toma una dirección más experimental con capas sonoras tipo ambient. Textualmente, Sopico permanece fiel a su estilo introspectivo, pero «Volez-Moi» se siente menos melancólico que su trabajo previo. Hay espacio para el optimismo e incluso la juguetonería, como en «J’vais le faire» donde su confianza como artista brilla. La colaboración con Hash24 en «Michelangelo» aporta una energía fresca que beneficia al álbum. Lo que particularmente distingue al álbum es la habilidad de Sopico para tejer orgánicamente su toque de guitarra con técnicas de producción modernas. Pistas como «Ça fait mal» demuestran cómo usa la instrumentación en vivo para dar a los beats electrónicos una calidez humana que falta en mucho rap contemporáneo. La secuenciación muestra algunas irregularidades aquí y allá, varias pistas de la sección media se sienten menos esenciales, pero la apertura fuerte y la conclusión poderosa compensan mucho. (Elodie Renard) (7/10) (Spookland Records/Polydor France)
Parcels – LOVED
Con su tercer álbum, los fetichistas disco-funk australianos de Parcels prueban que la magia de su sonido no depende de una formación específica. Tras la partida del bajista Max Oleartchik, Jules Crommelin, Louie Swain, Patrick Hetherington, Noah Hill y Anatole ‘Toto’ Serret han unido fuerzas para un álbum que forma su trabajo más cohesivo e infeccioso hasta la fecha. Grabado en estudios distribuidos por Berlín, Byron Bay, Sídney, Oaxaca y Ciudad de México, «LOVED» respira una alegría cosmopolita que encaja perfectamente con su estética retro-futurista. «Safeandsound» abre el álbum con una melodía irresistible que recuerda a los mejores momentos de Phoenix, mientras la producción tiene justo el suficiente brillo moderno para evitar sonar como un ejercicio de nostalgia. El corazón del álbum reside en pistas como «Yougotmefeeling», en la que la banda demuestra su habilidad para esconder estructuras armónicas complejas detrás de ganchos pop aparentemente simples. La manera en que los teclados, guitarras y batería interactúan testifica una banda que se conoce completamente, a pesar de los cambios en su formación. «Summerinlove» muestra su lado más melancólico, una historia sobre nostalgia romántica envuelta en producción soñadora que recuerda a los mejores momentos de Air. El contraste con el funk animado de «Leaveyourlove» prueba su versatilidad como compositores. El productor Dom Monks ha hecho un trabajo excelente equilibrando los instintos vintage de la banda con un sonido claro y moderno. Cada instrumento obtiene espacio para respirar sin que los arreglos densos se vuelvan excesivos. El único inconveniente real es que varias pistas en la sección media se sienten algo predecibles – la fórmula de Parcels está ahora tan pulida que la espontaneidad a veces debe ceder lugar a la artesanía. (Jan Vranken) (7/10) (Because Music)
Ed Sheeran – Play
Después de los ejercicios folk introspectivos de «Subtract» y «Autumn Variations», Ed Sheeran regresa a su zona de confort con «Play», un álbum que cumple completamente su promesa de «big pop». El resultado es su álbum más directo y alegre desde «Divide», aunque no sin las trampas habituales de sus ambiciones mainstream. «Azizam» establece inmediatamente el rumbo internacional con su producción de inspiración persa por Ilya Salmanzadeh. La pista muestra a Sheeran en su mejor momento: tomando elementos de world music y transformándolos en poder pop universalmente atractivo. La forma en que vincula las tradiciones irlandesas con melodías persas prueba su habilidad subestimada como constructor de puentes musicales. «Old Phone» proporciona la profundidad emocional necesaria para dar peso al álbum. Nacida de una confrontación con su pasado durante un caso judicial, Sheeran transforma la melancolía personal en un himno sobre dejar ir. La producción, tensa pero cálida, apoya perfectamente sus cualidades narrativas. Desafortunadamente, después de un comienzo fuerte, el álbum recae en patrones familiares. «Symmetry» y «Camera» se sienten como ejercicios en el libro de jugadas de Sheeran sin ofrecer sorpresas reales. Las demostraciones de loop pedal que hacen sus shows en vivo tan memorables se traducen menos efectivamente en álbum. «Heaven» cierra el álbum con la grandeza típica de Sheeran; orquestal, emocional y diseñada para coros de estadio. Es artesanía del más alto orden, pero carece de la autenticidad que caracteriza su mejor trabajo. Lo que salva a «Play» de la mediocridad es la habilidad irresistible de Sheeran para escribir melodías que inmediatamente se alojan en tu memoria. (Norman van den Wildenberg) (6/10) (Gingerbread Man Records/Atlantic)
Marion Wolf – Am Ondan End
El violín no es un instrumento usual en el jazz, aunque sí tiene una historia en el género. Stéphane Grappelli, por ejemplo, fue un pionero en el swing que se hizo popular entre 1920 y 1940 a través de, entre otros, Django Reinhardt; Grappelli tocó en el Quintet du Hot Club de France que acompañaba a Reinhardt. Más tarde, los violinistas también aparecieron con cierta regularidad en bebop y fusión, incluyendo a Regina Carter y Didier Lockwood. Ahora podemos añadir a la austriaca Marion Wolf a esa lista, quien entrega su debut con «Am Ondan End» presentando ocho composiciones originales. En él, no sólo toca violín, sino que también canta. Toma tiempo acostumbrarse, tal violín como instrumento solista en jazz moderno, especialmente ya que el acompañamiento consiste sólo del pianista Fabian Mang, el baterista Christoph Suttner y el bajista Luka Dobnikar. Sin embargo, estamos gratamente sorprendidos: gracias a arreglos calculados, las composiciones elegantes ganan profundidad a través del toque de violín lírico de Wolf y todo suena notablemente rico. Se puede escuchar que Wolf tiene formación clásica, aunque dejó completamente de tocar piezas clásicas después de su examen final. No sólo su toque de violín es lírico, lo mismo aplica a sus letras, que están inspiradas por, entre otros, Rainer Maria Rilke. Un buen ejemplo es «Da Rilke Bua (For the Poet)»: en canto casi sensual, celebra un paisaje como Rilke lo hizo en su poesía temprana… al menos, eso es lo que creemos entender, ya que Wolf canta en el dialecto de la provincia austriaca de Carintia. Es una de las piezas más lentas en el álbum por lo demás muy variado que, por ejemplo, abre a tempo rápido con «Wolfsberg (Returning)», el lugar donde Wolf nació. En «Am Ondan End» escuchas una multitud de influencias en la música de Wolf, incluyendo world music, como en la pista título de cierre, después de lo cual podemos afirmar con confianza que esta austriaca ha establecido un nuevo estándar original para el violín jazz. (Jeroen Mulder) (7/10) (Sonus)
