Cada semana llegan a la redacción de Maxazine decenas de álbumes nuevos. Demasiados para escucharlos todos, y mucho menos revisarlos. Garantiza que se dejen atrás demasiados álbumes. Y eso es una pena. Por eso hoy publicamos un resumen de los álbumes que llegan a los editores en breves reseñas.
Dressed Like Boys – Dressed Like Boys
Después de años haciendo ruido con DIRK., Jelle Denturck opta por el rumbo intimista. En su debut solista sin título, canta a través de once baladas impulsadas por piano que suenan como si Sufjan Stevens tuviera un mal día. El productor Tobie Speleman mantiene la producción deliberadamente mínima, a veces demasiado mínima, como si el presupuesto se hubiera agotado a mitad de camino. Denturck hace todo lo posible por sonar vulnerable y pequeño, pero este acto se vuelve predecible después de cuatro canciones. La apertura «Nando» promete más de lo que el álbum puede cumplir, mientras que «Healing», con diferencia la pista más fuerte, demuestra que puede escribir melodías cuando no se esconde tras una fragilidad forzada. El problema: ya hemos escuchado todo esto antes. Johan hizo nostalgia setentera mucho más convincente y actual recientemente, y en este género retro sobrepoblado, Denturck carece de distintividad. Su temática queer merece mejores canciones que estos ejercicios pianísticos mansos y predecibles. Un intento honesto, pero poco memorable. (Jan Vranken) (5/10) (MayWay Records)
Hammer King – Make Metal Royal Again
A estas alturas, la banda alemana Hammer King ya lleva más de diez años trabajando para abrirse camino. Esto ha funcionado especialmente en su país natal, donde los últimos dos álbumes lograron alcanzar las listas alemanas. Este álbum ya ha logrado esto también, alcanzando el puesto 11 en las listas de rock/metal. El power metal de la banda está claramente inspirado de manera audible por varios nombres más grandes del género. Así, en las primeras canciones se escuchan los textos latinos con una voz operística. Los casi homónimos Hammerfall también han sido una clara inspiración. Reconocible para muchos que son aficionados a este tipo de música. Además, la producción encaja por todos lados. Lamentablemente, también hay que decir que las propias canciones luchan por quedarse grabadas después de unas pocas escuchas. Un disco decente para poner de vez en cuando, pero desafortunadamente no se queda realmente contigo. (Rik Moors) (6/10) (Reaper Entertainment)
Collin Sherman – Life Eats Life
Saxofón, clarinete, cuerdas, guitarras eléctricas, sintetizadores y cajas de ritmos: Collin Sherman es multiinstrumentista y tocó todo él mismo en «Life Eats Life», un álbum que es difícil de tipificar pero que mejor se puede describir como algo entre fusión y ambient. Características son las melodías relativamente simples. Tomemos la apertura «Kepler-10b Prehistory» (Kepler 10b es un exoplaneta descubierto por la misión Kepler de la NASA): el corazón de la pieza es un tema simple que se desarrolla con vientos, partes de sintetizador graves y cuerdas sucesivamente, para volver al tema después del clímax. Esa es también la receta para las cinco piezas restantes. Como oyente, debes tener cierta resistencia, porque las pistas tardan en arrancar. La pista titular, por ejemplo, está construida sobre una sola nota fundamental, sobre la cual varios instrumentos luego hacen solos, sin que se establezca directamente un tema reconocible. La música de Sherman trata principalmente de evocar cierta atmósfera, y esa no es rara vez algo oscura, incluso ocasionalmente siniestra, especialmente cuando se añade una especie de redoble militar a la composición. Irónicamente, «Requiem» es la pieza más edificante. La pista final es la «Action, Unrest» de casi once minutos de duración, una pieza minimalista que comienza con una muestra de bajo y un ‘crack’ bastante irritante en el sonido del que nos preguntamos si esto fue intencional. Ciertamente distrae increíblemente de la improvisación de saxofón. Nos desconectamos. (Jeroen Mulder) (5/10) (Collin Sherman)
Bony Macaroni – Death Drive
Después de su debut «The Big Bucks», la banda de emo-pop de Arnhem Bony Macaroni regresa con «Death Drive», un álbum que deliberadamente se distancia de las narrativas esperanzadoras. El cantante Stefan lo describe como una instantánea de estar en los veinte en los nuevos años ’20, donde el impulso de muerte parece estar filtrándose. El álbum abre con «Katapult» y contiene once pistas que capturan bien la tensión entre melancolía y energía. En la pista titular, Stefan canta «I live and think in absolutes. The vibes are bad, the drugs are good», lo que resume la temática existencial del álbum. El productor Billy Mannino, conocido por su trabajo con Oso Oso, mantiene los bordes ásperos mientras proporciona a las canciones suficiente fuerza. Los puntos destacados son «The Rotting 20s» y «Death Drive», donde la banda transforma su frustración generacional en estribillos pegadizos. Bony Macaroni logra hacer accesibles los temas oscuros a través de su guiño característico al oyente. Solo le falta variación al álbum a veces en la parte media. «Death Drive» confirma que la banda ha encontrado su lugar en la escena emo-pop holandesa. Es un seguimiento sólido que muestra que Bony Macaroni ha crecido desde su debut. (Norman van den Wildenberg) (7/10) (Redfield Records)
Saint Etienne – International
El trío electrónico londinense regresa después de cuatro años con un álbum que demuestra su capacidad de mantenerse relevante sin traicionar su sonido característico. «International» se siente como la banda sonora de una película que nunca has visto pero en la que inmediatamente quieres perderte. La voz de Sarah Cracknell sigue siendo el instrumento perfecto para el pop electrónico soñador de Saint Etienne. En «Continental», se desliza sin esfuerzo entre diferentes líneas melódicas, apoyada por los arreglos sutiles pero complejos de Bob Stanley y Pete Wiggs. La canción captura perfectamente esa alegría melancólica que define la marca Saint Etienne. La producción muestra una banda que abraza las posibilidades digitales de 2025 sin olvidar su corazón analógico. «Embassy» combina sintetizadores vintage con técnicas de procesamiento modernas de una manera que suena tanto nostálgica como futurista. El tema internacional les da excusas para experimentar con diferentes estilos musicales. «Bossa Nova 3000» añade influencias brasileñas a su plantilla electrónica británica, mientras que «French Exit» tiene una grandeza casi cinematográfica que recuerda a su mejor trabajo de banda sonora. Textualmente, permanecen fieles a su estilo observacional, donde los momentos ordinarios se transforman en algo mágico. La interpretación de Cracknell siempre está justo entre comprometida y distante, lo que encaja perfectamente con la atmósfera de alienación moderna que recorre el álbum. Aunque ninguna canción individual tiene el estatus de clásico instantáneo de sus mayores éxitos, «International» funciona perfectamente como un conjunto cohesivo. (Jan Vranken) (8/10) (Heavenly Recordings)
