En un espacio de ensayo estrecho escondido en el distrito musical de Nashville, Hayloft está dando los últimos retoques a su set antes de salir de gira. El cuarteto—David Goodheart en la guitarra, Andrew Kaiser en las voces, Paul Owen en la batería, y Emilio Cueto en el bajo—se mueve con la facilidad practicada de músicos que han encontrado su ritmo. Pero hay algo diferente sobre esta banda, algo que los distingue en la escena musical sobresaturada de Nashville.
‘En Nashville, el talento está en todas partes’, explica Kaiser, ajustando su soporte de micrófono. ‘Puedes tocar genial toda la noche y a nadie le importará a menos que lo hagas memorable.’ Es esta filosofía la que ha llevado a Hayloft a convertirse en lo que muchos consideran uno de los actos en vivo nuevos más emocionantes para ver, especialmente después del lanzamiento de su álbum debut «Tomato/Tomato».
La historia de origen de la banda se lee como un cuento de hadas musical moderno. Goodheart y Kaiser se cruzaron por primera vez en el trabajo, donde su amistad floreció por obsesiones musicales compartidas. ‘Mientras más salíamos juntos, más nos dábamos cuenta de cuántos artistas teníamos en común’, recuerdan, enumerando influencias que van desde Everything Everything y Dream Theater hasta Mother Mother y Paramore. Cuando Owen y Cueto se unieron al grupo, cada uno trajo su propio ADN musical a la mezcla, pero esos favoritos fundamentales compartidos se convirtieron en la base de la química distintiva de Hayloft.
Su sonido—a menudo descrito como ‘rock indie prog-adyacente’—surgió orgánicamente en lugar de a través de una mezcla de géneros calculada. ‘Realmente solo escribimos con los géneros que conocíamos’, explica la banda. Extrayendo del folk y americana hasta música de videojuegos, bandas sonoras de películas y arreglos corales, su música filtra diversas influencias a través de un compromiso con la aventura sin sacrificar la accesibilidad. ‘El sonido de Hayloft terminó siendo este nexo natural entre todos nosotros. No fue diseñado, simplemente pasó.’
Este abrazo de influencias eclécticas se lleva con orgullo en las mangas. ‘Literalmente llamaremos a una sección «la parte de MUSE» o «la parte de Beatles»‘, se ríen. ‘Emilio ha estado trayendo sus raíces de jazz latino, Dav está experimentando con secciones montuno, y el trasfondo único de percusión de Paul sigue infiltrándose en el sonido de la mejor manera. Es realmente emocionante escuchar dónde todas estas cosas colisionan.’
Cuando llegó el momento de crear «Tomato/Tomato», el enfoque de la banda desafió la convención de la industria. En lugar de construir hacia un álbum a través de sencillos, completaron todo el disco primero. ‘Teníamos todo el disco terminado antes de elegir sencillos’, explican. ‘Se trataba más de preguntar, «¿Qué canciones nos representan mejor mientras también son las más accesibles?» Los sencillos se tratan de atraer a la gente, luego el álbum te permite profundizar más.’
Entre las pistas, ‘»Adjusted» es divertida porque voltea la estructura normal’, notan con orgullo evidente. ‘Nuestros versos llevan más energía que los coros.’ Pero es ‘»No Wonder»‘ la que tiene significado especial—una canción que casi no entra. ‘Se convirtió en esta mezcla salvaje de secciones inspiradas en Beatles, coros cromáticos sinuosos, y un outro teatral con cambios de tonalidad. Esa casi no hace el disco, pero cuando encajó, realmente encajó. Ahora es favorita de los fans.’
El título juguetón del álbum surgió de un momento igualmente espontáneo. ‘La historia vino mientras comíamos nachos y salsa bajo el tatuaje de un mesero que se traducía a «Live» en inglés. ¿Era «to live» o «alive»? Nos reímos y dijimos, «Tomato/Tomato.» Entonces nos miramos todos y supimos. Eso es.’ El título refleja la filosofía de la banda: ‘Es juguetón, pero también interpretativo. Puedes pronunciarlo como quieras, así como puedes experimentar el álbum como quieras.’
Donde Hayloft realmente se distingue es en sus presentaciones en vivo, que describen como ‘experiencias de arena en lugares pequeños’. Este concepto no surgió solo del ego o la ambición, sino de una comprensión más profunda de lo que hace memorable a la música en vivo. ‘Todo se trata de contar historias’, explican. ‘Queríamos construir un set que fluyera como una historia, con tensión y liberación.’
Esta visión los llevó a invertir en pantallas LED de 6 pies, visuales en vivo, y elementos de narrativa inmersiva que transforman shows íntimos de clubs en algo mucho más grandioso. ‘A veces Pikachu incluso se cuela durante nuestros covers de videojuegos’, se ríen, revelando el lado juguetón de sus ambiciones teatrales.
Sus valores de producción han evolucionado dramáticamente desde comienzos humildes. ‘Empezamos con solo nuestros instrumentos y Ableton. Ahora tenemos pantallas, y las luces probablemente sean lo siguiente. Nos encantaría agregar tecnología interactiva para los fans, pero el único límite es cuánto equipo puede cargar nuestra van.’
La inversión en espectáculo ha pagado dividendos en la conexión con la audiencia. Mientras sonríen al recuerdo de alguien diciéndoles, ‘Deberían decirle a la gente que realmente son buenos’, son los elogios de compañeros músicos los que resuenan más profundamente. ‘El momento más conmovedor vino de Courtney Swain de Bent Knee. Incluso durante un set donde problemas técnicos nos desestabilizaron, elogió nuestra pasión y talento en el escenario. Eso significó el mundo para nosotros.’
Mientras se preparan para una gira ambiciosa incluyendo Southeast Indie Fest con paradas en Nashville, Muncie, Chicago, y Detroit, su filosofía de booking refleja la naturaleza impulsada por la comunidad de su crecimiento. ‘Todo es networking y amistades. Zuko de MoreDopeMusic nos trajo a SEIF, bandas del Midwest nos presentaron a venues, y amigos en Detroit nos conectaron con su escena. Todo se trata de gente, no solo lugares.’
Sus horizontes se extienden mucho más allá del Midwest americano. ‘Fans en Portugal e Italia ya están pidiendo shows. Europa definitivamente está en nuestro radar’, revelan. Cuando se les pregunta sobre llevar su show inmersivo a escenarios internacionales, su respuesta es inmediata: ‘Absolutamente. No querríamos nada más que llevar esta configuración al extranjero.’
Balancear sus ambiciones de estudio con las realidades de presentación en vivo requiere recalibración constante. ‘Caminamos una línea fina entre hacer un sonido completo de estudio y asegurar que podamos recrearlo fielmente en vivo. A veces luchamos, pero cuando alcanzamos ese equilibrio, la energía es increíble. Un quinto miembro para teclados podría ser nuestro siguiente movimiento.’
El proceso creativo detrás de «Tomato/Tomato» fue, en sus palabras, ‘caos en el mejor sentido’. ‘Todos tiraron ideas, que no fue el método más rápido, pero nos dio un resultado rico.’ Desde entonces han optimizado su enfoque: ‘Para nuevas canciones, Kaiser usualmente trae ideas tempranas, letras y melodías. Dav las moldea con el «Tratamiento Hayloft,» y luego Emilio y Paul agregan sus capas. Es un pipeline que permite a todos brillar.’
Este proceso refinado ya está dando frutos. ‘Dos canciones post-álbum están en el set en vivo ahora, y varias más están cerca. Estas canciones reflejan nuestro crecimiento a través de cambios de lineup pero mantienen nuestro ADN intacto. Ritmos sincopados, progresiones de acordes inusuales, riffs ardientes. No sabemos cómo parar de escribir, y no vamos a tratar.’
Mirando hacia atrás en su viaje, ‘»No Wonder» se destaca’ como un punto de inflexión. ‘Pasó por seis versiones diferentes antes de que aterrizáramos en la correcta. Cuando lo hicimos, se sintió como un momento de breakthrough.’
Su conexión con los fans se extiende más allá del escenario a través de redes sociales e interacciones post-show. ‘Nos encanta compartir momentos detrás de escenas, clips de composición, momentos tontos de ensayo. Es lo que nos gusta ver de otras bandas, así que le damos eso a nuestros fans. Y honestamente, vengan a hablarnos después de los shows. Siempre estamos dispuestos a charlar, o a tener ayuda en la mesa de merch.’
Para artistas emergentes navegando sus propios caminos, el consejo de Hayloft es refrescantemente directo: ‘Sean ustedes mismos, completamente. Sea cual sea su vibra, inclínense hacia ella. Y no tengan miedo de intentar. Manden DM a esa banda más grande o venue. Nunca saben qué podría pasar. El año pasado Kaiser terminó cantando con Leprous por un DM. Solo háganlo.’
Mientras nuestra conversación se acerca al final y la banda se prepara para cargar su van con un impresionante array de equipo, está claro que Hayloft representa algo especial en el paisaje actual del rock indie. Han logrado ser tanto profundamente personales como más grandes que la vida, creando música que satisface a los nerds del prog mientras permanece accesible para oyentes casuales, y creando experiencias en vivo que se sienten masivas sin importar el tamaño del venue.
Con su álbum debut ambicioso ganando elogios críticos, sus shows inmersivos atrayendo fans devotos, y su creatividad implacable ya produciendo nuevo material, la trayectoria de Hayloft parece apuntada hacia esos escenarios internacionales con los que sueñan tocar. Mientras continúan su viaje desde espacios de ensayo de Nashville hacia reconocimiento potencialmente global, una cosa se vuelve abundantemente clara: su historia apenas está comenzando, y los mejores capítulos podrían aún estar sin escribir.
Photo (c) Sasha Gorkovenko
