Cada semana llegan a la redacción de Maxazine decenas de álbumes nuevos. Demasiados para escucharlos todos, y mucho menos revisarlos. Garantiza que se dejen atrás demasiados álbumes. Y eso es una pena. Por eso hoy publicamos un resumen de los álbumes que llegan a los editores en breves reseñas.
Stargazers – Stargazers
Con raíces en Ámsterdam, Stargazers entrega con su EP debut homónimo una de las publicaciones de jazz más intrigantes del año. El saxofonista, flautista y compositor Finn Peters profundiza en la tradición jazzística de los años sesenta y setenta. Es el tipo de jazz que los aficionados prefieren escuchar en vinilo: los crujidos, los chasquidos y el leve susurro de la aguja en el surco forman parte de este género como el color negro forma parte de Jules Deelder, y esa referencia no es casual. Incluso como rotterdamés, Deelder lo habría apreciado sin duda, porque Finn rinde un enorme homenaje al jazz más puro y, además, lo graba con una formación de seis músicos en una sola toma direct-to-disc. Sin overdubs ni correcciones, lo que permite sentir la tensión entre los músicos. Esto hace que Stargazers resulte sincero y, a veces, casi incómodamente íntimo. Uno de los momentos más destacados es ‘Clifford Jordan’, un bellísimo homenaje al legendario saxofonista tenor que brilló junto a Art Blakey, Charles Mingus y Max Roach. Las influencias son audibles, pero sutiles. Preste especial atención a la sección rítmica formada por el baterista Yoran Vroom y su hermano Yariv Vroom en la percusión: ya considerados maestros del groove por el programa ‘Het Uur van de Wolf’, y una de las razones por las que este Stargazers representa una prometedora carta de futuro. (Jeroen Mulder) (8/10) (Stargazers)
Riffstone – Sanctuary Sky
El proyecto británico de rock progresivo Riffstone está integrado por los multiinstrumentistas y vocalistas Dave Allen y Colin Powell. La atmósfera de sus paisajes sonoros melódicos y sinfónicos encaja con las letras, que tratan temas como la mitología y las emociones humanas. Su inspiración proviene de bandas como Big Big Train, Alan Parsons Project y, especialmente en el aspecto vocal, Yes. Esto se aprecia en las voces características, a veces agudas, a menudo superpuestas. Durante las partes vocales, la música suele ser más suave, lo que combina con el color del canto, en ocasiones monótono, y con su particular forma de interpretar. Las voces sin palabras, de timbre femenino, están muy bien integradas. Las secciones más rápidas y rockeras son mayoritariamente instrumentales. El sonido de la “percusión” varía: en las partes rítmicas resulta demasiado clínico, mientras que en varias pausas y en la introducción de ‘Tylwyth Teg’ el sonido es acertado. Hay gran variedad en los teclados y las guitarras, y el bajo tiene una presencia agradable. El equilibrio entre estos elementos es excelente. Algunos giros se desarrollan gradualmente, mientras que otros cambios instrumentales en tempo, volumen y ambiente son bastante marcados. El sonido propio de Riffstone destaca claramente en “Sanctuary Sky”. (Esther Kessel-Tamerus) (7/10) (Producción propia)
Opeth – The Last Will & Testament
Tras cinco años de silencio, Opeth regresa con su decimocuarto álbum de estudio y recupera los gruñidos death que habían estado ausentes desde “Watershed”. “The Last Will & Testament” está concebido como un álbum conceptual en torno a la lectura de un testamento en los años veinte, con Ian Anderson, de Jethro Tull, como narrador y aportando además solos de flauta. Los siete temas, numerados como párrafos, forman una historia continua en la que la renovada aspereza de Mikael Åkerfeldt encaja perfectamente con la atmósfera gótica. El tema inicial, ‘§1’, muestra de inmediato las intenciones del grupo, alternando pasajes melódicos con una violencia cruda, reforzados por cuerdas arregladas por David Stewart. El nuevo baterista, Waltteri Väyrynen, demuestra su maestría con patrones rítmicos complejos que siguen con naturalidad las cambiantes estructuras de las canciones de Åkerfeldt. ‘§2’ contiene algunos de los mejores riffs que Opeth ha escrito en años, con tonos de órgano que recuerdan a “Zabriskie Point” de Pink Floyd. Aunque el álbum suena más pesado que sus recientes trabajos de rock progresivo, sigue siendo una continuación natural de “In Cauda Venenum”, solo que con unos dientes metálicos añadidos. ‘§5’ muestra cómo la banda entrelaza influencias de jazz con death metal sin que resulte forzado. La pieza final, “A Story Never Told”, es una magnífica composición de prog con tintes folk, donde la voz limpia de Åkerfeldt brilla sobre guitarras acústicas y la flauta de Anderson. Con este álbum, Opeth demuestra que puede honrar su pasado sin dejar de avanzar artísticamente. (Anton Dupont) (9/10) (Reigning Phoenix)
Juice WRLD – The Party Never Ends
El quinto y último álbum de estudio póstumo de Juice WRLD cierra una etapa que terminó demasiado pronto con su trágica muerte en 2019. “The Party Never Ends” presenta dieciocho temas en los que la inconfundible vulnerabilidad emocional del rapero se combina con colaboraciones de Nicki Minaj, Eminem y Fall Out Boy. La pista inicial marca inmediatamente el tono con una mezcla de melancolía y descaro, donde la firma sonora de Benny Blanco es claramente reconocible. Canciones como ‘AGATS2’ y ‘Lace It’ muestran la capacidad de Juice para convertir temas dolorosos relacionados con la adicción y la mortalidad en melodías pegadizas, aunque algunas piezas se sienten más como bocetos inacabados que como composiciones plenamente desarrolladas. La producción varía desde los característicos loops de piano de Nick Mira hasta los ritmos más pesados de Metro Boomin, pero a menudo carece de la cohesión que definía sus trabajos anteriores. La contribución de The Kid Laroi, ‘Goodbye’, constituye un momento especialmente emotivo, mientras que la colaboración con Fall Out Boy en ‘Best Friend’ queda atrapada de forma incómoda entre el emo-rock y el trap. El disco lucha con la misma pregunta que persigue a todos los lanzamientos póstumos: ¿se publica esta música por su valor artístico o por motivos comerciales? A pesar de estas dudas, la voz de Juice sigue siendo una fuerza única en el hip hop contemporáneo, con líneas vocales que se desplazan sin esfuerzo entre el rap y los pasajes melódicos. (Norman van den Wildenberg) (6/10) (Grade A/Interscope)
Ian Shaw – Stephensong
El Shakespeare del musical: así se conoce a Stephen Sondheim. Su obra más famosa es sin duda “West Side Story”, con letras de Sondheim y música de Leonard Bernstein. Pero Sondheim también compuso música maravillosa, como se demuestra en este álbum, que es mucho más que una simple recopilación de canciones en un disco tributo. En “Stephensong”, Ian Shaw rinde un auténtico homenaje a la genialidad de Sondheim; acompañado únicamente por el pianista Barry Green, hace brillar sobre todo la belleza pura de las composiciones. Canciones como ‘No One Is Alone’ y ‘Take Me To The World’ se vuelven frágiles pero también profundas e intensas en estas interpretaciones minimalistas. Mientras que el mundo de Sondheim estaba lleno del carácter grandilocuente propio del musical, Shaw muestra lo que queda de las canciones cuando se despojan de esos ricos arreglos. Es un riesgo enorme, pero la sorpresa es grande al comprobar que se mantienen en pie, e incluso más. Shaw y Green dan nueva vida a las canciones, ofreciendo a las composiciones espacio para respirar, lo que otorga a los textos una fuerza expresiva mucho mayor. ‘Marry me a little, love me just enough’. Nosotros decimos sí. (Jeroen Mulder) (8/10) (Silent Wish Records)
