Cada semana llegan a la redacción de Maxazine decenas de álbumes nuevos. Demasiados para escucharlos todos, y mucho menos revisarlos. Garantiza que se dejen atrás demasiados álbumes. Y eso es una pena. Por eso hoy publicamos un resumen de los álbumes que llegan a los editores en breves reseñas.
Jordan Ward – Backward
El artista de St. Louis, Jordan Ward, aporta un sonido refrescante al R&B y hip-hop contemporáneo con «Backward». El álbum sigue el éxito de sus lanzamientos anteriores y muestra una clara evolución artística. Con sencillos como ‘Mustard’ y ‘White Dress’, Ward crea una atmósfera relajada que se siente moderna y atemporal. Las letras de «Backward» son personales y reflejan su trayectoria en la industria musical y su propio crecimiento personal. Musicalmente, el disco se apoya en ritmos suaves y sintetizadores soñadores que acompañan su voz delicada. Las armonías son capas que ofrecen una experiencia auditiva rica, con detalles que emergen con cada escucha. Ward logra fusionar diferentes géneros sin esfuerzo, evitando que el álbum sea monótono. El flujo de las canciones de «Backward» proporciona una experiencia de escucha consistente que invita a repetir. Es un álbum que irradia calma, pero al mismo tiempo desafía líricamente y transporta al oyente a su mundo. (Elodie Renard) (8/10) (Interscope Records)
Ryan Adams – Self Portrait
El trigésimo primer álbum de estudio de Ryan Adams es una colección lo-fi de 24 canciones que mezcla versiones de R.E.M. y New Order con temas originales. Self Portrait se siente como un cuaderno de bocetos, crudo y sin filtrar, grabado en el dormitorio de Adams. Tras años de controversias y un regreso con Blackhole en 2024, Adams opta por la intimidad en lugar del bombástico. Virginia in the Rain abre con fragilidad acústica, Please Shut the Fuck Up tiene energía punk, mientras que Blue Monday interpreta el clásico de New Order a través del lente de Adams. La versión de R.E.M.’s The One I Love muestra respeto, pero también la incapacidad de Adams de no ser él mismo. Honky Tonk Girl y Saturday Night Forever traen el toque country, mientras que I Am Dracula e I Am a Rollercoaster son más experimentales. El problema es que 24 canciones en 72 minutos generan demasiado ruido. Algunas pistas parecen a medio terminar, con una producción deliberadamente primitiva. Una decepción para los fans de Heartbreaker, una curiosidad para los puristas de Adams. Es un álbum para quienes se interesan por su proceso creativo, no por los clásicos. (Anton Dupont) (6/10) (Pax Am)
Negative Press Project – Cycles I
‘Berghain’ de Rosalía definió el año pasado un nuevo estilo en la música pop al combinar una pieza clásica explosiva con coro, pop y hip-hop. Negative Press Project no causará un impacto similar, pero con «Cycles I», este conjunto estadounidense, acompañado del cuarteto de cuerdas Friction Quartet, hace una declaración al unir jazz, música de cámara y paisajes sonoros. Negative Press Project se formó en Oakland, California, a partir de un grupo de músicos alrededor de la pianista/compositora Ruthie Dineen y el bajista/compositor Andrew Lion. Este último brilla especialmente en este álbum, que no puede clasificarse simplemente como jazz: es mucho más. En doce composiciones, el conjunto cuenta una historia, cambiando constantemente de perspectiva y moviéndose musicalmente entre estilos. La apertura con cuerdas en ‘Shoten Zenjin (Morning Arrives for Aya)’ es maravillosa. El álbum prácticamente no tiene momentos débiles. La dinámica entre jazz e incluso bop con arreglos orquestales produce un deleite cinematográfico, dejando a los miembros del Negative Press Project espacio para destacar. Un ejemplo son los solos de bajo y guitarra en ‘Cycles Brilliant’. Y lo mejor está por venir: ‘Hold and Keep this Flower’, que comienza con un preludio de cuerdas, y ‘Miles To Go’, donde la orquesta y los músicos de jazz parecen fusionarse en un arreglo sublime. La última vez que escuchamos tal maestría fue en los mejores tiempos de Burt Bacharach, quien convirtió este estilo de arreglos en arte. Un gran cumplido. (Jeroen Mulder) (9/10) (Envelopmental Music)
Emily Scott Robinson – Appalachia
Emily Scott Robinson, compositora para John Prine’s Oh Boy Records, presenta su mejor trabajo hasta ahora en su tercer álbum. «Appalachia», grabado en los 130 años de antigüedad Dreamland Recording Studios en los bosques de Kingston, Nueva York, es un retrato íntimo de resiliencia, pérdida y sentido de comunidad, arraigado en las Montañas Blue Ridge de Carolina del Norte. El productor Josh Kaufman (Bonnie Light Horseman) animó a Robinson a experimentar, resultando en la canción de apertura ‘Hymn for the Unholy’, en la que deja su guitarra y canta a cappella sobre un órgano desnudo. Es un himno para quienes alguna vez han fallado, cantado con una voz cristalina que toca el corazón de inmediato. Robinson sobresale contando historias humanas con imágenes aparentemente simples pero vívidas. En ‘Time Traveler’, describe el doloroso proceso de la demencia de su abuela con detalles precisos que sumergen al oyente en la lenta pérdida de la memoria. ‘Cast Iron Heart’, un dúo con el ganador del Grammy John Paul White, celebra el tipo de amor que llega con cicatrices y edad, con la línea ‘People think we’re past our prime but I say we got here just in time’, resonando como un homenaje a las segundas oportunidades. La canción titular es tanto un homenaje a los Apalaches como una declaración de resiliencia tras la devastación causada por el huracán Helene en 2024 en el oeste de Carolina del Norte. ‘Dirtbag Saloon’ es un comentario agudo sobre la gentrificación y la desigualdad económica, envuelto en un ligero vals country. Robinson transforma escenas cotidianas, facturas impagas y hombros para llorar en poesía que recuerda a su mentor John Prine. «Appalachia» demuestra por qué Robinson tiene dos álbumes calificados con 9+ y confirma que la música raíz estadounidense está en buenas manos. (Jan Vranken) (9/10) (Oh Boy Records)
Cast – Yeah Yeah Yeah
Los veteranos británicos del britpop, Cast, regresan con el álbum «Yeah Yeah Yeah», ofreciendo exactamente la energía que los aficionados del género esperan. John Power y su banda demuestran que su sentido de la melodía sigue vivo. Los sencillos ‘Love Is The Call’ y el tema titular ‘Yeah Yeah Yeah’ establecen de inmediato el tono con guitarras resonantes y estribillos para cantar. Aunque la banda no inventa un nuevo sonido, la producción suena fresca y urgente. Las letras de «Yeah Yeah Yeah» son optimistas y transmiten un placer de tocar recuperado que resulta contagioso. Comparado con su trabajo de los años noventa, la banda ahora suena más madura y equilibrada. La estructura de las canciones sigue los principios del pop de guitarra clásico, con cada verso fluyendo orgánicamente hacia un estribillo grandioso. El álbum es sólido de principio a fin, sin momentos débiles. Para los fans leales, es una adición bienvenida a la discografía de una banda que aún está lejos de agotarse. (William Brown) (7/10) (Cast Recordings)
