Cada semana llegan a la redacción de Maxazine decenas de álbumes nuevos. Demasiados para escucharlos todos, y mucho menos revisarlos. Garantiza que se dejen atrás demasiados álbumes. Y eso es una pena. Por eso hoy publicamos un resumen de los álbumes que llegan a los editores en breves reseñas.
Brent Faiyaz – Icon
Tras un giro notable justo antes del lanzamiento previsto originalmente en septiembre de 2025, Brent Faiyaz presenta ahora «Icon», su tercer álbum de estudio, producido ejecutivamente por Raphael Saadiq. Mientras antes era conocido por su enfoque frío y distante del amor y el deseo, aquí abraza un lado más cálido y sincero. Las diez canciones están escritas desde un deseo de estabilidad y compromiso, con «Have To» como sencillo contagioso coproducido por Tommy Richman, en el que Faiyaz promete enviarse a sí mismo si la distancia se vuelve demasiado grande. En «Other Side» su voz se desliza suavemente sobre una base proto-disco, mientras «Pure Fantasy» recuerda la brillante facilidad pop de Michael Jackson. La colaboración con Chad Hugo de The Neptunes aporta un brillo atemporal al álbum y la duración mínima de 31 minutos garantiza que no se desperdicie ni una nota. «Icon» muestra a Faiyaz en su faceta más versátil y vulnerable, un álbum que merece escucharse una y otra vez. (Elodie Renard) (8/10) (ISO Supremacy/UnitedMasters)
Momoko Gill – Momoko
Fue un debut muy sólido: los sencillos «No Others» y «When Palestine is Free» aparecieron el pasado octubre y consolidaron el nombre de Momoko Gill como artista solista. La segunda canción llamó especialmente la atención por su temática, pero también por el arreglo para gran coro. La baterista y cantante británico-japonesa no era desconocida en la escena jazzística londinense, aunque hasta entonces había tocado sobre todo al servicio de otros. Con los dos sencillos tomó el escenario por sí misma de forma convincente, demostrando no temer temas controvertidos. Por ello las expectativas para el álbum eran altas. Gill, autodidacta en muchos ámbitos incluido el de la batería, cambia como compositora con facilidad entre géneros, del pop al jazz e incluso del soul a material más ambient. También demuestra ser una cantante dotada de un timbre cálido que funciona bien en la mayoría de las pistas. Desde el punto de vista vocal, «Heavy» es uno de los mejores temas, donde la voz oscura y ligeramente áspera queda enmarcada por un rico arreglo con flauta y arpa ligeras. Tan ligero como es «Heavy», tan oscuro es «Shadowboxing». Con distorsión vocal y bajo de sintetizador profundo, la comparación con Billie Eilish surge rápidamente. El oyente se ve sorprendido constantemente. Del opresivo instrumental «Test a Small Area», compuesto sobre todo por efectos sonoros en un ritmo inusual, el álbum pasa por ejemplo a la composición sencilla y delicada «2close2farr», en la que Gill solo está acompañada por un piano. Gill salta de género en género y entrega así un álbum no solo fascinante sino también relevante. (Jeroen Mulder) (8/10) (Strut Records)
Converge – Love Is Not Enough
Casi nueve años después de «The Dusk in Us» y cuatro años después de la impresionante colaboración «Bloodmoon: I» con Chelsea Wolfe, Converge regresa con «Love Is Not Enough», su undécimo álbum de estudio y un retorno a sus raíces hardcore más crudas e indómitas. El cantante Jacob Bannon, el guitarrista Kurt Ballou, el bajista Nate Newton y el baterista Ben Koller suenan intensamente enérgicos: el tema inicial y canción titular arranca de inmediato el cerrojo de la fábrica metálica con riffs afilados y ritmos de batería pulsantes. Temas cortos y devastadores como «Distract and Divide» y «To Feel Something» apenas dejan respirar, mientras el instrumental «Beyond Repair» introduce un silencio tenso que amplía dramáticamente la segunda mitad del álbum. «Force Meets Presence» muestra a la banda en un modo más orientado al melodeath y «Make Me Forget You» es su canción emocionalmente más directa en años. Bannon declaró que quería más realismo en las grabaciones, y se nota: suena como una banda en directo en su punto más afilado. Tras tres décadas, Converge suena más urgente que nunca. (Anton Dupont) (9/10) (Epitaph/Deathwish Inc.)
Charli xcx – Wuthering Heights
Tras el éxito universal de «Brat», Charli xcx eligió un cambio artístico radical con «Wuthering Heights», la banda sonora acompañante de la adaptación cinematográfica homónima de Emerald Fennell de la obra clásica de Emily Brontë. Junto al productor habitual Finn Keane creó un álbum que recuerda más a su oscuro debut «True Romance» que a la energía festiva de club de su trabajo anterior. El tema inicial «House», en el que el veterano de Velvet Underground John Cale ofrece un texto hablado escalofriante, establece de inmediato el tono gótico. Sencillos como «Chains of Love» y «Dying for You» combinan cuerdas soñadoras con sintetizadores laboriosos, mientras «Wall of Sound» envuelve al oyente en un paisaje claustrofóbico de deseo y pérdida. Sky Ferreira aparece como invitada en «Eyes of the World» y añade una capa ahumada a la ya densa atmósfera. El resultado es un álbum que presenta el amor como una fuerza que abruma y consume a quien lo porta, tan salvaje e indómito como los páramos de la novela. Que Charli elija conscientemente la experimentación y la intimidad tras la fama masiva demuestra su solidez artística. (William Brown) (9/10) (Atlantic Records)
Jill Scott – To Whom This May Concern
Tras una ausencia de casi diez años, Jill Scott regresa con «To Whom This May Concern», su sexto álbum de estudio y de inmediato una de sus obras más ambiciosas. La icono neo-soul de Filadelfia ya había iniciado su regreso con sencillos como «Beautiful People» y «Pressha», que dejaron claras sus intenciones: este álbum respira conexión, confianza y honestidad matizada. Scott se rodea de un impresionante elenco de invitados, entre ellos Trombone Shorty en el animado «Be Great», Tierra Whack en el juguetón «Norf Side» y JID en «To B Honest», donde su flujo vertiginoso forma un conjunto sorprendentemente fluido con las voces de Scott. Productores como DJ Premier y Andre Harris aportan texturas neo-soul y acentos jazz que sostienen la cualidad atemporal de su composición. En «The Math» y «Pay U on Tuesday» muestra su talento para un lenguaje directo y visual sin perder la poesía. En conjunto, este álbum es una carta abierta de una mujer que lo ha vivido todo y está lista para compartir sus reflexiones. (Tobias Brown) (8/10) (The Orchard)
