Cada semana llegan a la redacción de Maxazine decenas de álbumes nuevos. Demasiados para escucharlos todos, y mucho menos revisarlos. Garantiza que se dejen atrás demasiados álbumes. Y eso es una pena. Por eso hoy publicamos un resumen de los álbumes que llegan a los editores en breves reseñas.
Tim Jago – Time Shift
El título de este álbum es notablemente preciso: las composiciones originales de este guitarrista australiano se caracterizan por compases cambiantes, a menudo inusuales, y tempos. Aunque el nombre de Tim Jago aparece en la portada, es realmente el mérito del baterista David Chiverton que las piezas se mantengan ordenadamente en el buen camino. Eso no es tarea fácil, especialmente cuando las piezas tienen compases dobles – double timing. Tomemos una pieza como «Soil to Sky» donde hay constante alternancia entre un compás de 4/4 y 5/8. Chiverton mantiene la composición tensa mientras Jago y el saxofonista Mark Small pueden tejer sus solos melódicos a través del ritmo. En composiciones tan complejas, un álbum corre el riesgo de volverse demasiado técnico, pero ese no es el caso aquí: por el contrario, es principalmente la energía contagiosa la que impulsa este álbum hacia adelante. Por supuesto, puedes escuchar que este es material exigente y algo de flexión de músculos musicales no es ajeno al conjunto alrededor de Jago, pero el resultado final sigue siendo un álbum con trabajo de fusión predominantemente hermoso. El punto culminante es el solo del bajista Dion Kerr en «Major» quien utiliza el registro completo del bajo de seis cuerdas para este propósito. Además de las composiciones originales, este álbum contiene dos versiones: «Bernie’s Tune» de Bernie Miller y «Body and Soul» de John Green. Esta última pieza, un estándar de jazz de los años treinta, presenta un desafío enorme para muchos solistas debido a su inusual progresión de acordes, pero una vez más es un magistral Chiverton quien atrae más atención que los dedos virtuosos de Jago o el saxofón lírico de Small. Gracias a Chiverton, «Body and Soul» conserva el swing con el que Coleman Hawkins hizo famoso el número en los años cuarenta como una de las primeras grabaciones de bebop. Esto hace que «Time Shift» sea principalmente el álbum de David Chiverton. (Jeroen Mulder) (7/10) (Bespoke Jazz)
Morten Haxholm – Aether II
«Ambient 1: Music for Airports» de 1978 fue el álbum con el que Brian Eno introdujo música que describió como «tan ignorable como interesante», destinada a llenar un espacio, no a exigir atención. Eno fue indiscutiblemente el hombre que hizo populares los paisajes sonoros, incluyendo influencia en el jazz, especialmente en las direcciones más experimentales y orientadas al ambient del jazz moderno. Precisamente en Escandinavia es donde este estilo puede encantar a muchos entusiastas. Y así el bajista danés Morten Haxholm una vez más llena un disco con música que se encuentra entre la experiencia sonora meditativa y el jazz experimental. El minimalismo y la electrónica forman los ingredientes principales de este «Aether II». Puedes ciertamente contar una hermosa historia filosófica al respecto, sobre recuerdos de la infancia de magnolias en el jardín de tus abuelos, juguetes o hermosos paisajes naturales, pero eso no oculta el hecho de que las composiciones y especialmente los motivos son bastante simples en su núcleo. Tranquilidad, lo llama Haxholm mismo. El disco debe depender principalmente del sonido ambient, que a través de una excelente producción suena extremadamente refinado y espacial: como si el conjunto estuviera parado en tu habitación tocando. Musicalmente, sin embargo, ocurre muy poco para mantener la atención durante tres cuartos de hora completos. (Jeroen Mulder) (6/10) (Zack’s Music)
Paul Carrack – The Country Side of Paul Carrack, Volume 1
A los 74 años, Paul Carrack se aventura en su primer álbum country, una colección nostálgica de diez números clásicos de country de los años cincuenta a setenta. El hombre con «la voz dorada» demuestra que su cálida voz de barítono funciona sorprendentemente bien con este género. El álbum abre fuertemente con «Sea of Heartbreak» (1961) de Don Gibson, donde la interpretación emotiva de Carrack le da al clásico una frescura moderna. Los puntos culminantes son el sencillo «Take These Chains from My Heart» de Hank Williams y el original «Cold Light of Day» con líneas de piano juguetonas. La producción de Nashville por Steven Wood es excelente, con instrumentación country auténtica que se integra perfectamente con el trabajo característico de teclado de Carrack. Con 32 minutos, el álbum es bastante corto, y Carrack lo juega predominantemente seguro con clásicos familiares. Sin embargo, logra excelentemente mostrar respeto por la tradición country mientras hace suyos los números. Un tributo cálido y hábil que esperamos tenga una secuela. (Jan Vranken) (7/10) (Carrack UK)
Russ – W!LD
Después de su avance comercial con éxitos como «What They Want», Russ regresa con un viaje introspectivo hacia adentro. «W!LD», su sexto álbum de estudio, marca una distancia consciente de los éxitos externos que han definido su carrera. El rapero con base en Atlanta se aventura en territorio desconocido y explora quién es realmente, más allá de la controversia y el éxito comercial. Musicalmente, Russ combina su característica producción autoproducida con una perspectiva más madura. Las 19 pistas van desde el himno motivador «Movin'» hasta la autorreflexión vulnerable de «Trying». Sus palabras permanecen agudas pero muestran nueva profundidad en la exploración de límites y crecimiento emocional. La producción se siente más orgánica que en proyectos anteriores, con espacio tanto para la frialdad como para el silencio. Los puntos culminantes son el contagioso «April 7» y el contemplativo «Superman», donde reconoce que no siempre puede ser el ángel salvador. El álbum se beneficia de su versatilidad pero a veces carece de enfoque en su ambición de iluminar todos los lados de su personalidad. Sin embargo, «W!LD» prueba que la evolución de Russ como artista y ser humano van de la mano, resultando en su trabajo más personal hasta la fecha. (Elodie Renard) (7/10) (Diemon)
Haim – I Quit
Cinco años después del nominado al Grammy «Women in Music Pt. III», las hermanas Haim están de vuelta con su declaración más honesta hasta la fecha. «I Quit» funciona como una carta de renuncia extendida a todo lo que ya no les sirve, desde relaciones tóxicas hasta sus propios pensamientos limitantes. Es su primer álbum sin el productor de larga data Ariel Rechtshaid, lo que resulta en un sonido más directo y rockero. Las 15 pistas respiran liberación y autoaceptación. La coproducción de Rostam Batmanglij trae a la banda de vuelta a sus raíces rock, mientras que la madurez lírica explora nuevo territorio. La voz de Danielle está más central que nunca, apoyada por las cálidas armonías de sus hermanas. Desde la frustración contagiosa del sencillo principal «Relationships», comparable a su éxito revelación «The Wire», hasta el cierre inspirado en U2 «Now It’s Time», el álbum muestra su mayor rango emocional. La primera mitad contiene los números más fuertes, incluyendo el juguetón «Down to Be Wrong» y el catártico «Everybody’s Trying to Figure Me Out». Algunas pistas posteriores se sienten menos esenciales, y el álbum a veces extraña un sonido consistente de «Haim 2025». Sin embargo, «I Quit» prueba que rendirse es a veces la elección más valiente, tanto artística como personalmente. (Jan Vranken) (8/10) (Universal Music)
