Cada semana llegan a la redacción de Maxazine decenas de álbumes nuevos. Demasiados para escucharlos todos, y mucho menos revisarlos. Garantiza que se dejen atrás demasiados álbumes. Y eso es una pena. Por eso hoy publicamos un resumen de los álbumes que llegan a los editores en breves reseñas.
NinémiA – Weapons of Math Destruction
¿Qué obtienes cuando juntas músicos de Chipre, Polonia, Bielorrusia y un baterista de Megadeth? El álbum debut «Weapons of Math Destruction» de NinémiA, y vaya viaje que es. Christos Agathokléous, el cerebro chipriota detrás de este fuerte proyecto, realmente ha creado algo especial aquí. Desde el tema de apertura «Psychotropic Plague» sabes inmediatamente que te espera algo pesado y sin compromisos. El cantante polaco Mikolaj Krzaczek añade un filo interesante al conjunto. Su voz a veces recuerda al peculiar Serj Tankian de System of a Down, lo que funciona sorprendentemente bien con el enfoque más oscuro de la banda. Pero hablemos de esa batería. Dirk Verbeuren (Megadeth) está afilado como una navaja en las diez pistas. Su interpretación es absurdamente precisa, ya sea martilleando a través de los cuatro minutos de «Same Old Story (S.O.S)» o anclando sólidamente la pista titular instrumental de once minutos. Las partes de teclado de Derek Sherinian en «The Acquired Savant» proporcionan una capa adicional bienvenida, mientras que canciones como «Oppenheimer» dejan claro que la banda no rehúye temas más pesados. Con una duración de 70 minutos, esto es bastante sesión, pero gracias a la variación se mantiene cautivador. Esta colaboración internacional funciona. «Weapons of Math Destruction» golpea duro y te deja con hambre de más. (Norman van den Wildenberg) (9/10) (Nimenia Records)
Danny Grisset – Travelogue
El pianista y compositor estadounidense Danny Grisset es uno de los músicos más solicitados en el jazz moderno y ciertamente ha estado acumulando una cantidad sustancial de horas de vuelo junto a varios grandes nombres durante veinte años. Sin embargo, su carrera en solitario, que Grisset ha estado construyendo desde 2006, simplemente no logra despegar internacionalmente. Eso es extraño. Pon este «Travelogue» y sorpréndete nuevamente con la interpretación enérgica y fluida y especialmente el brillante sentido del ritmo y el timing. Acompañado por el baterista Bill Stewart y el bajista Vicente Archer, Grisset presenta diez composiciones principalmente originales como una reflexión sobre la vida de un artista de jazz viajero. Todo viajero frecuente, toma ‘horas de vuelo’ bastante literalmente, lo reconocerá: los momentos de descanso una vez que has llegado a tu destino («Whisper Not»), contrastados contra la inevitable naturaleza hectica del viaje mismo. Y siempre la sensación de estar en camino, extrañar el hogar («The Long Way Home»), sin sentirse solo en otra gran ciudad («The People in the City»). Sin embargo, ocasionalmente sentimos nostalgia y nos perdemos en pensamientos sombríos («Here’s That Rainy Day»), pero siempre hay otro viaje que esperamos con ansias («Spin Cycle»). Todo regresa en las diez pistas de «Travelogue». Grisset logra perfectamente crear una atmósfera en el formato clásico de jazz de piano, bajo y batería. Un formato clásico que viaja a todas partes y encaja en cualquier lugar. (Jeroen Mulder) (8/10) (Savant Records)
Peter Gabriel – Sophia Gardens
Más de cuarenta años después del concierto original, Yard Stick finalmente ha lanzado oficialmente la actuación de Peter Gabriel en el Sophia Gardens Pavilion de Cardiff en los servicios de streaming. Desafortunadamente, deberían haber dejado esto sin lanzar. Lo que una vez circuló como bootleg entre coleccionistas resulta en forma oficial ser todavía una prueba auditiva. La calidad de sonido es francamente abominable: una combinación de grabaciones mono rayadas y pistas estéreo polvorientas que se asemejan más a una grabadora de cassette clandestina que a una transmisión de radio profesional. La voz de Gabriel se ahoga regularmente en la mezcla fangosa, mientras que los instrumentos suenan como si estuvieran siendo tocados a través de una almohada. Históricamente hablando, esta grabación es interesante. El concierto tuvo lugar poco antes del lanzamiento de su álbum revolucionario «Melt» y contiene versiones tempranas de clásicos posteriores como «We Do What We’re Told (Milgram’s 37)». Para el verdadero devoto de Gabriel, esto ahora está finalmente accesible a través de servicios de streaming. Sin embargo, la pregunta permanece: ¿era esto realmente necesario? Algunos tesoros es mejor dejarlos enterrados, y esta grabación podría haber permanecido pacíficamente en el submundo bootleg donde pertenecía. (Jan Vranken) (5/10) (Yard Stick)
Becca Wilkins – Rêverie
Probablemente son las dos canciones más conocidas de Charles Aznavour: «La Bohème» y «Emmenez-moi». Sin mencionar que estos son verdaderos monumentos que deben ser manejados con mucho cuidado. Como con todas las chansons francesas, se trata principalmente de la letra y cómo la entregas; la música es esencialmente subordinada a las palabras. La cantante nacida en Londres Becca Wilkins se aventura en «Rêverie» a interpretar no solo a Aznavour, sino que también aparecen Brel, Piaf y Montand en nuevas interpretaciones de jazz. ¿Una británica cantando chansons? No hay problema: Wilkins creció parcialmente en Normandía y domina el idioma; por lo tanto, no hay nada que criticar en su pronunciación del francés. En este CD debemos discutir principalmente los arreglos. En los originales, estos a menudo se mantienen sobrios para dar a la letra tanto espacio y por lo tanto poder como sea posible. Qué diferentes son los ricos arreglos con los que Wilkins presenta estos poemas. La cantante está acompañada por un trío que vierte una deliciosa salsa de jazz sobre las chansons. Por primera vez desde Aznavour, «Emmenez-moi» ahora vuelve a llegar al alma, gracias al arreglo de piano en la primera parte, la entrada del bajo y la batería en la segunda parte, súbitamente dándole un ‘swing’, y luego esa hermosa voz de Wilkins. O «Amsterdam» de Brel donde Wilkins solo está acompañada por un golpe de tambor que se vuelve cada vez más fuerte, más convincente a lo largo de la canción. Pièce de résistance, para mantenerse en el ambiente, es «Hymne à l’amour» de Piaf. Es la apertura y el cierre del álbum. En la apertura, el arreglo se desvía fuertemente de cómo La Môme una vez lo confió a la eternidad, incluyendo cambios de tonalidad, pero en la segunda parte, el cierre, Wilkins se mantiene cerca del original. Con Piaf, no puedes ser lo suficientemente cuidadoso. (Jeroen Mulder) (8/10) (Lamplight Social Records)
Yeule – Evangelic Girl is a Gun
Yeule, el proyecto musical del artista singapurense Nat Ćmiel, se ha desarrollado en los últimos años como una de las voces más intrigantes en la música electrónica experimental. Después del aclamado «softscars» (2023), yeule regresa con «Evangelic Girl is a Gun», un álbum que ilustra perfectamente su evolución artística. El álbum suena excepcionalmente bien producido y presenta un sonido moderno accesible, amplio y bien definible que entreteje sin problemas glitch-pop, alt-rock y trip-hop. Yeule ha creado aquí un sonido que es tanto experimental como comercialmente atractivo, sin comprometer su visión artística. Un punto culminante absoluto es «The Girl Who Sold Her Face», una pista con un groove irresistible que incluso tiene suficiente potencial de éxito para alcanzar el mainstream. A lo largo del álbum, el espíritu de un David Bowie temprano flota, tanto en sensación como en sonido, esa intensidad teatral y expresión de género fluido que hizo a Bowie tan icónico. Con melodías hipnotizantes y una fascinante exploración de identidad y transformación, «Evangelic Girl is a Gun» se ha convertido en un muy buen álbum que solidifica aún más la posición de yeule como una fuerza innovadora en la música pop contemporánea. (Jan Vranken) (8/10) (Ninja Tune)
