Cada semana llegan a la redacción de Maxazine decenas de álbumes nuevos. Demasiados para escucharlos todos, y mucho menos revisarlos. Garantiza que se dejen atrás demasiados álbumes. Y eso es una pena. Por eso hoy publicamos un resumen de los álbumes que llegan a los editores en breves reseñas.
Rachel Chinouriri – I Think I Spoke Too Soon
En su nuevo EP, la cantante británica Rachel Chinouriri da un emocionante paso adelante en lo musical al combinar pop y electrónica de múltiples capas con una temática personal e intensa. Mientras que sus trabajos anteriores estaban dominados por un indie de carácter orgánico, aquí el ritmo aumenta considerablemente. En temas destacados como “One Song Away From Crying” y “All I Ever Asked”, aborda la sinceridad y la recuperación con un control vocal extraordinario. La producción oscila hábilmente entre sintetizadores ásperos y una línea vocal de claridad cristalina que nunca queda ahogada por el bullicio instrumental. En ocasiones, la franqueza de las letras roza la explicación demasiado evidente, pero la riqueza de las capas musicales mantiene el conjunto en un equilibrio preciso. Con un cierre refinado, también ofrece un impresionante momento de calma que subraya la riqueza emocional del disco. Con este lanzamiento, Chinouriri demuestra una madurez artística creciente y presenta un impresionante retrato de su época que permanece en la memoria del oyente durante mucho tiempo. (Elodie Renard) (8/10) (Parlophone)
Stephen Byth – Growth in Stasis
Crecimiento en la inmovilidad. Esa es la traducción literal del título de este segundo álbum del saxofonista y compositor australiano Stephen Byth. El título hace referencia a Wayne Shorter, la leyenda que afirmaba que era precisamente la incertidumbre la que abría espacio para descubrir y, por tanto, crecer. Sin embargo, en este disco apenas se percibe esa incertidumbre, y mucho menos la inmovilidad: Byth ofrece a su público una sección transversal del jazz, desde el bop del tema de apertura “Seed of Thought” hasta el cinematográfico “The Light in Everything”, en el que su colaboración con el pianista Yessaï Karapetian dota a la pieza de una dinámica magnífica. El punto culminante es “Cutting Ties”, una composición de siete minutos que toma una dirección diferente y sorprendente una y otra vez. También es una de las piezas más complejas, y conviene señalarlo al hablar de este álbum: no es una escucha ligera. Al igual que en Shorter, todo gira siempre en torno a la melodía, pero los ricos arreglos crean una complejidad que solo se revela después de varias escuchas. Entonces se descubren nuevos elementos cada vez, lo que convierte “Growth in Stasis” en un álbum de jazz especialmente logrado, quizá incluso uno de los mejores álbumes del año. (Jeroen Mulder) (9/10) (Stephen Byth)
Nieve Ella – How Long Will It Take?
Nieve Ella ha creado un álbum debut grande, caótico y tremendamente reconocible. “How Long Will It Take?” gira en torno a la pregunta de cuánto se tarda en cambiar, y la cantante británica responde con toda su fuerza. El sencillo “Drive” marca el tono con un bajo contundente y una batería llena de brío, mientras que “Standing on a Pane of Glass” muestra hasta dónde se puede llegar cuando se toca fondo. “I’m Not Dead” y “Back to Basics” se suceden y presentan a una cantante que transforma sus dudas en confianza en sí misma. La canción que da título al álbum es una balada expansiva en la que deja que su voz crezca como una tormenta. El productor Jamie Rendle y el coautor Finn Marlow confieren al conjunto una sensación grandiosa, casi teatral, con guitarras ásperas y, de vez en cuando, instrumentos inesperados, como en “At Any Cost”. No todo resulta igual de atrevido, ya que “Romance Is a Desert” y “Love:Hate” optan por un camino más seguro. Pero esta es una artista que ya sabe cómo conquistar al público en directo, y esa fuerza también se percibe aquí. Un debut del que sentirse orgullosa. (Daniel Harris) (8/10) (Artist Theory)
Bruce Cockburn – The Blood of Others
En “The Blood of Others”, Bruce Cockburn no se mira al espejo, sino a su colección de discos. Su álbum número 39 consta de quince canciones de otros artistas, elegidas porque llevan décadas instaladas en su cabeza y en sus dedos. El productor Colin Linden mantiene un enfoque sobrio: principalmente Cockburn, su guitarra acústica y una voz áspera. “Wish I Was in Heaven Sitting Down” comienza como un blues góspel sin adornos, mientras que “Buddy Bolden’s Blues” tiene ritmo con una guitarra ragtime y una voz cruda. “Louis Collins”, de Mississippi John Hurt, suena soleada, aunque la historia sigue siendo oscura. “That’s All Right, Mama” se ralentiza considerablemente y cuenta con una guitarra adicional de Linden. También aparecen el jazz, el folk y los clásicos del cine, desde “As Time Goes By” hasta “Four Strong Winds” y “Les Feuilles Mortes”, en la que canta en francés. La guitarra suena precisa y contenida, sin alargarse nunca innecesariamente. Esto hace que el álbum resulte íntimo, casi como una conversación en la mesa de la cocina. No hay mucha variedad en la instrumentación, pero tampoco es esa la cuestión. Cockburn demuestra que una interpretación solo funciona cuando quien la ejecuta siente de verdad cada nota. (Cian Murphy) (8/10) (Sunset Boulevard Records)
Eivør – Tungl
Con “Tungl”, Eivør publica su undécimo álbum, el primero para Nuclear Blast. La cantante feroesa combina la tradición nórdica con la electrónica y el trip-hop, y opta por una atmósfera oscura y cinematográfica. Siete de las diez canciones están cantadas en feroés. El tema inicial, “Og mánin græt”, se inspira en la tradición de la danza en cadena feroesa y la incorpora a ritmos electrónicos palpitantes. “Healer” y “Verjugarðar” muestran dramatismo y synth-pop, mientras que “Fangað”, junto a su hermana Elinborg, sitúa el canto gutural en un contexto casi de club. “Hinumegin” es el momento de calma, una balada lenta en la que la electrónica pasa a un segundo plano y su voz ocupa todo el espacio. Quienes conozcan sus trabajos anteriores percibirán cuánto se ha alejado del folk de sus comienzos. La producción está llena de detalles y pide escucharse con auriculares. Las opiniones sobre el resultado son dispares. Algunos oyentes aprecian la riqueza de capas y la variedad sonora, mientras que otros echan en falta profundidad y consideran que las ideas están demasiado repartidas entre diez canciones. Lo que está claro es la fuerza de la voz de Eivør, que alterna entre el susurro y la expresión ritual. “Tungl” no es un álbum de acceso inmediato, pero sí uno que demuestra confianza en el camino propio. (William Brown) (7/10) (Nuclear Blast)
