Cada semana llegan a la redacción de Maxazine decenas de álbumes nuevos. Demasiados para escucharlos todos, y mucho menos revisarlos. Garantiza que se dejen atrás demasiados álbumes. Y eso es una pena. Por eso hoy publicamos un resumen de los álbumes que llegan a los editores en breves reseñas.
Distant Birds – Vol. 1 & Vol. 2
Distant Birds es el proyecto del teclista Chris Abrahams y del bajista David Symes. Este último no parece haber tenido demasiado que hacer, y sin embargo esa línea de bajo repetitiva es un elemento crucial en las cuatro composiciones de este álbum. Junto con el baterista Evan Manell, el bajo forma la base pulsante bajo las improvisaciones, especialmente en el tema de apertura «Drill», que se siente como la banda sonora de una película de crimen de los años setenta. El sonido casi nostálgico del Fender Rhodes, el sintetizador Moog y el órgano Hammond contribuye sin duda a esta ‘seventies atmosphere’. Pero además de una amplia gama de teclados, Abrahams y Symes también han invitado a la trompetista Ellen Kirkwood y al saxofonista Matt Ottignon. En particular, los tonos profundos del saxofón barítono de Ottignon son una gran aportación. En esencia, las cuatro composiciones de este álbum son bastante sencillas. Su fuerza está en la repetición, mientras Abrahams, Ottignon y Kirkwood van añadiendo capas de forma muy sutil y cuidadosamente dosificadas. Un breve motivo de los vientos, un acorde sostenido de Hammond, un pequeño cambio en la línea de bajo, un fill en la caja: todo se mantiene muy contenido, pero suficiente para mantener los cuatro temas interesantes, lo cual es impresionante si se tiene en cuenta que cada pieza dura entre quince y veinte minutos. Uno se ve absorbido casi sin darse cuenta por la música, en busca de esos matices sutiles. Distant Birds garantiza unas deliciosas vibraciones vintage. (Jeroen Mulder) (8/10) (Earshift Music)
Eddie Kold Band ft Larry ‘Doc’ Watkins – Blues In My Heart
Desde su primera visita a Chicago, el cantante y guitarrista alemán Eddie Kold ha dedicado su carrera al blues de Chicago. Jorg Fennekold, como figura en su registro civil, visitó los distintos clubes y vio actuar a leyendas como Eddie Clearwater, Magic Slim, Junior Wells y Fenton Robinson, por mencionar solo algunos. Esa primera visita en 1986 no fue la última, ya que sigue regresando con regularidad a la cuna de este blues urbano. De vuelta en Alemania, fundó la Eddie Kold Band, con la que ha realizado numerosas giras por Alemania y el resto de Europa. Desde 2004, el cantante nacido en Virginia, Larry ‘Doc’ Watkins, forma parte de la banda. Los otros miembros fijos son Klaus Brunschede (bajo), Christian Wubben (batería) y Lucas Diehl (teclados, piano). En diciembre de 2025 se publicó el tercer álbum de la banda, titulado «Blues In My Heart». Contiene trece canciones, de las cuales once son composiciones propias. Las dos versiones son «Further On Up The Road», conocida entre otros por Bobby Bland, Eric Clapton y Freddie King, y «Last Two Dollars», popularizada por Johnnie Taylor. Con el tema de apertura «Around Three Or Four», una preciosa balada, se establece de inmediato el tono. Una canción bien construida que abre el apetito para el resto del álbum. Con una buena mezcla de temas lentos y rápidos, el oyente recibe una propuesta musical más que excelente. La base es claramente el blues de Chicago, pero Eddie Kold no duda en explorar el soul y el funk. Esto aporta una gran variedad. Entre los temas que merecen mención especial están el ya citado «Last Two Dollars» con la cantante invitada Honeydrew Melon Davenport, la balada «Burnin’ Outta Control», en la que Kold destaca a la guitarra, y el slow blues «Lovesick Blues». Para los amantes de la buena música y del blues en general, «Blues In My Heart» es una recomendación absoluta. Gran nivel. (Eric Campfens) (8/10) (L+R Records)
Natural Rhythm – Altin Sencalar
Se acerca el verano y los discos de latin jazz aparecen a una velocidad proporcional a la cantidad de sudor masculino que cae de torsos desnudos, lo espere el mundo o no. Lo mismo ocurre en general con muchas publicaciones veraniegas insignificantes que apenas merecen la etiqueta de jazz. Muy distinto es el caso de «Natural Rhythm» del trombonista Altin Sencalar. Nada de afrobeat artificial ni kitsch pseudo-cubano, sino simplemente salsa excelente, gracias a los ritmos que coloca Alex Acuña en la percusión. El arte consiste entonces en dejar espacio en las melodías y los arreglos para que esos ritmos sigan siendo perceptibles, en lugar de perderse en el bombast de la sección de metales. Los metales tienden a dominar por naturaleza, especialmente cuando se trata del sonido lleno que Sencalar obtiene de su propio trombón. Entonces puede volverse pesado y denso, mientras que la salsa debería mantenerse ligera. Los arreglos están aquí perfectamente logrados, algo que se aprecia especialmente en los temas más contenidos como «Lament» y la rumba «Reflection». Un álbum excelente que hace honor a su título. Aun así, señores, las camisas pueden quedarse puestas. (Jeroen Mulder) (8/10) (Posi-Tone Records)
Penelope Trappes – Opvs Novum: A Requiem Reworked
Con su nuevo lanzamiento «Opvs Novum: A Requiem Reworked», Penelope Trappes reúne a varios artistas para reinterpretar su álbum anterior «A Requiem» de 2025. El proyecto va mucho más allá del concepto de un álbum de remezclas convencional. En lugar de simplemente rehacer canciones existentes, el álbum original se reconfigura y se profundiza emocionalmente a través de diez enfoques artísticos distintos. Donde el original era sobrio, ritual e introspectivo, estas reinterpretaciones amplían el alcance emocional del material. Paisajes sonoros desolados y tensión gótica se alternan con una melancolía devocional que se convierte en algo casi himnario. El álbum se mueve constantemente entre la lamentación sagrada y la electrónica de vanguardia. Las canciones se transforman en espejos espectrales en los que el dolor se refleja mediante pulsos industriales, texturas ambientales flotantes e influencias de pop onírico. «Opvs Novum: A Requiem Reworked» suena así como un encuentro imaginario entre Hildegard von Bingen y el posterior Scott Walker, con siglos de evolución musical llenando el espacio entre ambos. Sin embargo, en algunos momentos el álbum habría ganado con un poco más de variación dinámica, ya que la atmósfera constantemente contenida puede resultar algo distante. Aun así, sigue siendo una experiencia de escucha fascinante e inmersiva, que revela todo su potencial especialmente con buenos auriculares. (Bart van de Sande) (7/10) (One Little Independent Records)
Maisie Peters – Florescence
En «Florescence», Maisie Peters da un paso claro en su evolución como artista pop, profundizando aún más en su mezcla reconocible de melodías directas y relatos personales. El álbum se percibe como una etapa en la que depende menos de la impulsividad juvenil y más de una composición controlada y una coherencia temática. La producción es clara y amplia, con un fuerte énfasis en el piano, guitarras superpuestas y sutiles matices electrónicos que mantienen la voz de Peters en el centro sin eclipsarla. En canciones como «The Last One» y «Bloom Again» se aprecia cómo conecta observaciones cotidianas con líneas emocionales más amplias, donde pequeños detalles en la letra aportan profundidad adicional. Lo que destaca es la forma en que «Florescence» equilibra luz y oscuridad. Algunos temas son ligeros y casi juguetones, mientras que otros son más introspectivos y miran hacia relaciones y decisiones que han dejado huella. Esta interacción evita que el álbum sea unidimensional y le da una sensación de crecimiento y reflexión. A nivel vocal, Peters suena más segura que en trabajos anteriores y se atreve más a dejar espacio en los arreglos, lo que aumenta el impacto emocional. «Florescence» no supone una ruptura radical con su estilo anterior, sino más bien una refinación del mismo, en la que Maisie Peters demuestra que está consolidando su posición dentro del pop moderno. (William Brown) (8/10) (Gingerbread Man Records)
