Cada semana llegan a la redacción de Maxazine decenas de álbumes nuevos. Demasiados para escucharlos todos, y mucho menos revisarlos. Garantiza que se dejen atrás demasiados álbumes. Y eso es una pena. Por eso hoy publicamos un resumen de los álbumes que llegan a los editores en breves reseñas.
Lenny Kaye – Goin’ Local
Con «Goin’ Local», Lenny Kaye presenta su primer álbum realmente en solitario, un disco en el que el guitarrista y escritor repasa una vida llena de experiencias musicales sin caer en la nostalgia. Conocido como guitarrista de Patti Smith Group, Kaye utiliza su amplio conocimiento del rock, el folk y la música de raíces estadounidense para crear una colección de canciones que suena personal y reflexiva. Canciones como ‘Little Wings’, ‘Uncle Sam’s House’ y ‘Ponderosa’ muestran a un músico que busca sobre todo historias, atmósfera y carácter. La producción mantiene la atención en las letras y en el trabajo de guitarra, haciendo que el disco permanezca a veces deliberadamente sobrio. Esto no funciona igual de bien en todos los momentos, ya que algunas composiciones carecen de la agudeza que Kaye muestra en sus mejores momentos. Aun así, «Goin’ Local» tiene una identidad clara y el álbum demuestra que la experiencia todavía puede conducir a decisiones musicales interesantes. No es un disco que intente reescribir la historia, sino un retrato honesto de un artista que continúa siguiendo su propio camino. (William Brown) (8/10) (Yep Roc)
Nia Archives – Emotional Junglist
Con «Emotional Junglist», Nia Archives da un nuevo paso en su evolución como música que combina jungle y drum-‘n’-bass con influencias del pop, el R&B y la música alternativa. El álbum sigue a «Silence Is Loud» y muestra a una artista que abre aún más su sonido sin abandonar su base electrónica. El disco se mueve entre breakbeats enérgicos y momentos más personales en los que el amor, la pérdida y la incertidumbre ocupan un lugar central. Canciones como ‘Feelingz Go Numb’, ‘Around Tha Bend’ y ‘Dance With Me 2Nite’ muestran su sentido de la melodía y el ritmo, mientras que las colaboraciones con Jorja Smith en ‘Get Me Down’ y Sampha en ‘Tender’ añaden un color adicional. La producción está cuidadosamente construida y da espacio tanto a los pasajes bailables como a las letras vulnerables. En ocasiones, el enfoque pop más accesible hace que los bordes más ásperos de sus trabajos anteriores sean menos visibles, pero su identidad musical permanece intacta. «Emotional Junglist» es un álbum maduro en el que Nia Archives continúa dando forma a su propia dirección dentro del jungle moderno. (Elodie Renard) (8/10) (Island)
Robert Laidlow – Reality Eaters
Con «Reality Eaters», Robert Laidlow presenta un ambicioso álbum debut en el que la música clásica, la tecnología y las ideas científicas se unen. El compositor utiliza temas como la inteligencia artificial, las leyes de la naturaleza y los límites de la creatividad humana como punto de partida para tres obras extensas: ‘Gravity’, ‘Silicon’ y ‘Warp’. Especialmente el concierto para piano ‘Warp’ muestra cómo Laidlow consigue traducir conceptos complejos a una forma musical que sigue siendo accesible. La interpretación, entre otros, de la BBC Philharmonic, el Piatti Quartet y el pianista Joseph Havlat da a las composiciones una expresión clara y poderosa. Aun así, el álbum exige mucho del oyente. Las ideas detrás de la música son impresionantes, pero las estructuras a veces largas y el enfoque intelectual hacen que el impacto emocional no aparezca con la misma fuerza en todos los momentos. Laidlow opta claramente por la innovación y la investigación en lugar de un reconocimiento melódico sencillo. Esto convierte a «Reality Eaters» en un álbum especialmente interesante para oyentes abiertos a la música clásica contemporánea con una perspectiva tecnológica. El álbum muestra a un compositor con una visión clara, pero en algunos momentos habría podido beneficiarse de un mayor equilibrio entre concepto y cercanía musical. (William Brown) (8/10) (NMC Recordings)
Onségen Ensemble – A Tale
Onségen Ensemble es un colectivo progresivo finlandés. Está formado por un núcleo fijo y, además, cada vez por otros músicos diferentes. Por ello, en cada álbum se escuchan voces, instrumentos y perspectivas distintas. Así ocurre también en «A Tale», el quinto álbum, donde permanecen los sonidos intuitivos. Este álbum conceptual trata sobre la paz. Algunas partes del canto sin palabras suenan oníricas o delicadas, y en esos momentos la música suele ser tranquila. Además, los temas tienen a veces un sonido espiritual, creando una atmósfera hippie relajada. Esta sensación se refuerza cuando se tiene la impresión de estar escuchando cuencos tibetanos. En otros momentos, especialmente las partes instrumentales, son algo más fuertes y rápidas, y entonces hay bastantes repeticiones. Por un lado, esto puede llevarte a un estado de fluidez, por otro lado, las repeticiones son algo excesivas. De vez en cuando, el sonido es ‘áspero’; por ello, la combinación especial de instrumentos musicales y/o voces llega menos bien. «A Tale» no consigue mantenerme interesado constantemente. Aun así, tiene una gran diversidad de instrumentos y presenta mezclas de sonidos especiales. (Esther Kessel-Tamerus) (6/10) (Karisma Records)
Michael Arbenz featuring Florian Arbenz and Atom String Quartet – J.S. Bach Suite III
Si hay un género que hace un uso agradecido de Johann Sebastian Bach, o incluso abusa de él, ese es el jazz. Esto se remonta a 1959, cuando Jacques Loussier publica «Play Bach No. 1», en el que toma prestada la temática de Bach, seguida siempre por una improvisación de jazz. Chick Corea llamó en una ocasión a Bach una de sus mayores fuentes de inspiración. Basta con escuchar sus «Children’s Songs». Por tanto, es una fórmula probada, pero con ello estaríamos haciendo realmente poca justicia a Michael Arbenz. La fuerza de «J.S. Bach Suite III» reside en que el compositor no es copiado ni siquiera citado literalmente. No se trata de una adaptación literal de la tercera suite para orquesta. Arbenz, acompañado a la batería por su hermano Florian, añade numerosos elementos. Las piezas se convierten en diálogos entre el jazz de Arbenz y las obras orquestales interpretadas por el Atom String Quartet. Naturalmente, se reconoce a Bach, pero también se sorprende constantemente al oyente con el swing, las melodías modernas y las excelentes improvisaciones que encajan perfectamente con las piezas clásicas. Bach puede volverse rápidamente grandilocuente, pero Arbenz consigue mantener las composiciones accesibles y simplemente ‘agradables de escuchar’. Un intento más que logrado de unir Bach y jazz. (Jeroen Mulder) (8/10) (Michael Arbenz)
