Cada semana llegan a la redacción de Maxazine decenas de álbumes nuevos. Demasiados para escucharlos todos, y mucho menos revisarlos. Garantiza que se dejen atrás demasiados álbumes. Y eso es una pena. Por eso hoy publicamos un resumen de los álbumes que llegan a los editores en breves reseñas.
Sylvan Esso – Ow ∞
Sylvan Esso llaman a ‘Ow ∞’ una caída libre, y después de unas pocas canciones eso ya parece acertado. Amelia Meath y Nick Sanborn se tomaron cuatro años para hacerlo, y eso se escucha en la abundancia de ideas que a veces aparecen juntas y a veces por separado. ‘Hot Slob’ presenta el álbum como desordenado y descarado, mientras que ‘Concrete Glen’ se construye alrededor de un sample de Sigur Rós hasta convertirse en una embriaguez nocturna. Lo que llama la atención es que muchas canciones suenan deliberadamente inacabadas, con voces que resultaron ser la primera toma y ritmos de nada menos que seis baterías diferentes mezclados entre sí. La idea es más interesante que la ejecución, porque no todas las canciones se benefician de ese enfoque libre. ‘Right to Left’ y ‘On & On’ sí convencen, con una claridad que falta en otros lugares. En otros momentos, el álbum se pierde en la repetición sin añadir nada nuevo. Sylvan Esso sigue siendo un dúo intrigante, pero ‘Ow ∞’ habría ganado en precisión con algo más de contención en el estudio. (William Brown) (7/10) (Psychic Hotline)
Ibibio Sound Machine – Chopping Mountain
En ‘Chopping Mountain’, Ibibio Sound Machine continúa desarrollando el sonido que caracteriza a la banda londinense desde hace ya seis álbumes, una mezcla de afrobeat, disco, funk y post-punk. El productor Max Grunhard, también saxofonista y teclista del grupo, vuelve a asumir el mando por primera vez desde ‘Doko Mien’, y el resultado es bueno. La cantante Eno Williams cambia sin esfuerzo entre el inglés y el ibibio, lo que aporta a ‘Return to Sender’ una capa adicional de urgencia. Esa canción, nacida de un accidente de coche que ella describe como un ataque de fuerzas invisibles, es uno de los momentos más fuertes del álbum. ‘Concept of Love’ se abre con una pregunta que el vocoder repite hasta que queda grabada, sostenida por un ritmo afro-disco al que es difícil resistirse. ‘Give Me Peace’, con la participación de Dele Sosimi, se apoya en una línea de estribillo sencilla pero efectiva. El álbum pierde aquí y allá algo de impulso hacia el final, pero la energía de la banda se mantiene en gran medida. Ibibio Sound Machine demuestra una vez más que el espíritu comunitario y la capacidad de hacer bailar no tienen por qué excluirse mutuamente. (Tobias Brown) (8/10) (Merge Records)
Adrian Younge – Afro-Disco Makossa
En ‘Afro-Disco Makossa’, Adrian Younge plantea una pregunta que despierta inmediatamente la curiosidad, qué habría hecho un productor ghanés en 1976 si hubiera querido grabar un álbum de disco estadounidense para su propio público. La respuesta es compacta, dura seis canciones y respira la calidez analógica que Younge ya había mostrado a través de su sello Jazz Is Dead en colaboraciones con Tony Allen y Ebo Taylor. El tema inicial ‘Feel The High Life’ marca el tono con metales que brillan y una sección rítmica que se mueve con fluidez. ‘Shake Down’ y ‘Number One’ empujan todo aún más hacia la pista de baile, con líneas de bajo que rebotan como una goma elástica. ‘Fire In The Disco’ añade una capa cinematográfica con teclados que encajarían igual de bien en una banda sonora. El tema que da título al álbum cierra todo con calma, como un último baile antes de que se enciendan las luces. Younge combina makossa, afrobeat y disco sin que ninguno de esos estilos quede reducido a un simple fondo. Un álbum breve y preciso que sabe exactamente lo que quiere ser, y que lo consigue. (Elodie Renard) (8/10) (Linear Labs)
Artvark – Four Fathers
El núcleo de Artvark siguen siendo los cuatro saxofones. Sin embargo, el Artvark Saxophone Quartet suena ligeramente diferente en ‘Four Fathers’, pero también en este álbum Rolf Delfos, Bart Wirtz, Mete Erker y Peter Broekhuizen demuestran lo rica que es la paleta sonora del saxofón. Si el álbum anterior ‘Mother of Thousand’ era un homenaje a la maternidad, ahora los cuatro padres ocupan el centro de quince composiciones. Cuatro padres diferentes, y eso da como resultado un álbum variado que, a pesar de la formación sobria, no aburre ni un segundo. Al contrario, se escucha constantemente algo nuevo en las piezas. Del contenido ‘The Persistent Hum’ se pasa, por ejemplo, al más frívolo ‘Slidin’ and Ridin’’, en el que Artvark utiliza además instrumentación de apoyo en forma de electrónica y percusión. El punto central de ‘Four Fathers’ es el tríptico ‘Give Me Quiet’. En estas tres piezas se escucha lo que hace única a la música de Artvark: la respiración. Todo tiene espacio para respirar y esa respiración se escucha. Con cada respiración existe la tensión de esperar qué nota seguirá a ese aliento. El silencio entre inhalar y exhalar es al menos tan importante como la propia nota. Artvark se atreve a dejar que ese silencio exista, sin querer llenarlo inmediatamente. Cuatro saxofonistas respiran, escuchan la respiración de los demás, reaccionan a ella y a veces dejan deliberadamente algo inacabado suspendido en el aire. Por ello, ‘Four Fathers’ se vuelve casi físicamente perceptible. No solo se escuchan los instrumentos, sino también las personas que hay detrás de ellos. Y quizá ahí se encuentre precisamente la fuerza de este álbum: aquí la música no surge únicamente de las notas, sino también de la fracción de segundo en la que esas notas todavía no están. (Jeroen Mulder) (8/10) (Dox Records)
Bloc Party – Anatomy Of A Brief Romance
Bloc Party suena más hambriento que en años en ‘Anatomy Of A Brief Romance’. La banda entrega un álbum que sigue de cerca el desarrollo de una relación, desde la primera chispa hasta las consecuencias, y lo hace sin rodeos. El productor Trevor Horn da más brillo a las guitarras de Russell Lissack, pero las aristas permanecen intactas. El tema inicial ‘Coming On Strong’ marca inmediatamente el tono con un bajo amenazante y un estribillo que agarra por la garganta. ‘Love Bombs’ se construye sobre sintetizadores que crepitan como un cortocircuito, mientras Kele Okereke canta sobre un amor que se hace demasiado grande demasiado rápido. Más adelante cambia el estado de ánimo. ‘Worst Birthday Ever’ es amargo y directo, mientras que ‘Now We Can’t Be Friends’ lleva el dolor a la pista de baile. No todas las canciones mantienen el mismo ritmo, y hacia el final la tensión se desvanece un poco. Aun así, sigue siendo un álbum que se atreve a incomodar, tanto musical como emocionalmente. Bloc Party demuestra que después de siete álbumes todavía tiene algo que decir, y que prefiere hacerlo sin pulir antes que de forma segura. (Anton Dupont) (7/10) (cOnTAGIOUS LTD)
